Nihonweb

Albator

2008-07-20T11:11:00.000-07:00

Albator/Harlock, justicier et ultime recours de l’humanité dépravée, est un héros intemporel qui noie un chagrin insondable dans l’alcool, en parcourant l’immensité de l’espace telle une âme en peine. Donnant tout pour soutenir les êtres courageux qui croisent sa route, il semble invincible et reste toujours sur le qui-vive pour défendre les peuples opprimés. Toutefois, son entreprise semble vouée à l’échec, même si les victoires sont nombreuses et exaltantes. Jamais il ne trouvera le repos du guerrier et sa planète Utopie semble malheureusement inaccessible...

Née en 1938, Matsumoto Leiji gagne, à l’age de quinze ans, un concours de manga qui lui permet de publier Mitsubashi no Boken dans Manga Shonen. Cinq tomes seulement constituent le manga Uchu Kaizoku Captain Harlock, titre original d’Albator, reprenant la guerre contre les Sylvidres / Mazones de la première série animée. Alors que l’œuvre s’est déclinée sur de nombreux animes, et qu’Albator est devenu un héro mythique, on reste perplexe devant le manga inachevé. A l’origine Harlock est un personnage secondaire d’une des œuvres les plus populaires de Matsumoto, Uchu senkan Yamato. Harlock Harlock était sensé apparaître dans l’un des épisodes de la première série animée de Yamato, mais celle-ci n’ayant pas eu beaucoup de succès, fut interrompue. Harlock prit son nom dan le manga Kosoku Esper en 1968 où il incarnait un docteur balafré, et c’est en 1972 qu’un certain Franklin Harlock jr. rencontre pour la première fois Alfred / Oyama Toshiro dans gun Frontier, ainsi qu’une première version d’Esméralda, la femme pirate. En 1978, il naît vraiment avec l’aventure des Sylvidres que l’on connaît.

La seconde série animée où apparaissent les humanoïdes / Illumidas (Albator 84), ne correspond à aucun manga, alors que la série d’OAV Harlock saga, elle, est associée à la reprise de l saga développée autour de l’œuvre wagnérienne en 1997 par Matsumoto dans le cycle de l’anneau de Nibelungen / Der ring dans Nibelungen : Great Harlock. Il apparait aussi dans des séries comme Cosmo Warrior zero et Captain Harlock The endless odyssey. Il existe également divers dessins animés reprenant l’univers de l’auteur où Harlock vient faire des apparitions.

On trouve beaucoup d’incohérence dans l’œuvre de Matsumoto, ce qui s’accentue encore davantage avec les versions animées, mais il est amusant de reconstituer le puzzle don les maigres indices, souvent contradictoires, parsèment ses mangas, quasiment tous interféconds. Albator est lié à la série Galaxy Express 999 par son héroïne, Maetel, la sœur d’Esméralda, ainsi que par leur mère, Promessium. Celle-ci est née sur la planète Rametal d’où vient également Yukino Yayo, une des Reines de Milles Ans apparaissant dans Queen Millenia.

La série de départ d’Albator (1978) narre comment le capitaine, depuis longtemps hors la loi, reste cependant attaché à la terre : c’est en effet là que son amide toujours Alfred lui a demandé d’éduquer sa fille Stellie / Mayu, fruit de son union avec Esméralda, avant de décéder. Il était l’ingénieur aérospatial qui a conçu l’Atlantis / Arcadia, le fameux vaisseau de la paix que dirige Albator.

Les séries et le film ont été dessinés par un grand nom de l’animation japonaise : Komatsubara Kazuo (Goldorak, Devilman, Va-y Julie). Celui-ci cumule les rôles de Character designer et de directeur de l’animation. Son dessin reste très fidèle à l’œuvre de Matsumoto, qui a lui-même validé son adaptation. Une autre personnalité de grade envergure a participé à Albator : Rintaro (alias Hayashi Shigeyuyki), revenu depuis sur le devant de la scène avec son Metropolis. C’est son travail sur Albator 78 qui lui permet de réaliser son premier film, celui de Galaxy Express 999 en 1979. Il est particulièrement doué pour conserver l’essence d’une œuvre qu’il adapte, sans pour autant la plier à son style propre. Sa particularité, ici, est de savoir transmettre suspense et action dans un anime au rythme lent, quasiment contemplatif. La plus part du temps les séries Albator ont cette lenteur caractéristique. Ceci est le reflet fidèle du manga et du style de Matsumoto. Celui-ci s’interroge beaucoup et ne met jamais la guerre en avant. Ici, on est face à des gens qui réfléchissent et se battent pour leurs idéaux de paix, à mille lieues des mercenaires.

Albator est un homme solitaire qui ne semble pas faire grand cas de la gente féminine, même s’il ne la rabaisse pas et la considère comme son égal. En fait, il soigne des blessures sentimentales qui l’empêchent de se tourner vers les autres femmes. Il pense que chacun doit se prendre en main et les doutes qu’il ressent face aux Sylvidres, alors qu’elles ont peut être plus de légitimité à revendiquer la Terre que les Terriens, montre qu’il est loin d’être obtus. Toutefois, ce qu’il n’accepte pas c’est l’oppression. Tout le monde a le droit de vivre et la guerre qu’à déclanché Sylvidra / Lafreshia contre le genre humain et d’autres peuples qu’elle a soumis, suffit à l’inciter à lui résister par tous les moyens, mais jamais avec cruauté.

Personnage à la fois fort et sensible, Albator est un homme juste, raison pour laquelle on en fait facilement son mentor. Toue l’œuvre de Matsumoto est ainsi une longue poésie, une ode à l’homme n’hésitant pas à dénoncer ses travers et à prôner la responsabilité, la lutte pour la vie, mais d’une manière équitable.

Profil : Nakazawa Keiji

2007-08-17T08:07:00.000-07:00

Le nom Nakazawa Keiji est à jamais associé à « Gen d’Hiroshima » (Hadashi no Gen), œuvre unique dans l’histoire de la BD japonaise, et qui n’a d’équivalent au niveau mondial que Maus d’Art Spiegelman. Nakazawa y raconte l’irracontable : son expérience de l’enfer de la bombe atomique d’Hiroshima. Cette œuvre à laquelle il a consacré des années et des milliers de pages, est l’aboutissement de toute une vie. Né en 1939 à Hiroshima, Nakazawa Keiji grandit aux cotés de ses parents, ses trois frères et sa sœur. Le 6 août 1945, à 8h15, la première bombe atomique de l’Histoire est lâchée sur Hiroshima. Le père, la sœur et le petit frère de Keiji meurent. Quelques heures après, sa mère, enceinte, donne naissance à une petite fille au milieu des cadavres et des incendies. Nakazawa survit dans les conditions extrêmes de l’après-guerre. A quinze ans, il travaille comme apprenti peintre dans la publicité, puis gagne le premier prix d’un concours de manga à dix-huit ans. Assistant d’un mangaka, Nakazawa ressent le besoin de raconter son expérience. Son premier récit sur la bombe, « Sous la pluie noir » (Kuroi ame ni utarete), parait, après de nombreux refus d’éditeurs, en 1968. Suivent en 1970 « Soudain un jour » (Aru hi Totsuzen), consacré aux enfants irradiés, puis en 1971 son premier récit autobiographique, « je l’ai vu » (Ore wa mita).

Ses mangas rencontrant un certain succès, Nakazawa entame « Gen d’Hiroshima » en 1973 pour Shonen Jump, titre phare de la Shueisha, qui tire alors à deux millions d’exemplaires. Il aborde cette fois son vécu de front, avec l’ambition de relater dans le détail la vie de ses proches sur le long terme, tout en se réservant, tout en se réservant une liberté dans le traitement des faits. Nakazawa se crée avec Nakaoka Gen un jumeau positif, courageux et débrouillard, qui lui offre le recul nécessaire pour traiter sa propre histoire. Le propos exceptionnel conditionne tout : l’histoire, construite rigoureusement suivant un processus dramatique, s’éloignant ainsi de la forme du témoignage pour tendre vers celle du récit de fiction ; le dessin, d’aspect empesé et caricatural, mais efficace ; la narration discrète privilégiant la lisibilité.

Inscrivant son propos dans l’Histoire, Nakazawa fait coexister petites et grandes histoires, la vie quotidienne de la population et les décisions des gouvernements, les enfants se rendant à l’école et le bombardier Enola Gay dans le ciel du 6 mai 1945... Les pages consacrées à ce jour infernal sont peu nombreuses, même si elles sont les plus marquantes du manga. Nakazawa voulant tout raconter de la bombe d’Hiroshima, il poursuit son récit jusqu’à son départ pour Tokyo dans les années 50, relatant la vie des irradiés, surtout ces enfants dont il partage l’histoire.

Lors de sa parution, Gen d’Hiroshima provoque des réactions violentes : pour beaucoup, le sujet reste tabou, et il est reproché à Nakazawa d’utiliser le manga pour livrer son témoignage. La publication, interrompue à quatre reprises, reprend grâce à la mobilisation des jeunes lecteurs. Au fil des ans, l’œuvre atteint une ampleur considérable : s’étalant sur dix tomes, elle devient un Best-seller traduit dans de nombreux pays, et est adapté en film, en film d’animation, en série animé et en comédie musicale. En 1983, le premier tome est publié chez les Humanoïdes Associés, puis en 1990 chez Albin Michel, mais tronqué ou estampillé d’un titre trompeur (Mourir pour le Japon). Vertige Graphic démarre plus tard une nouvelle publication, prévu pour la première fois en intégralité.

Nakazawa est aussi l’auteur de manga d’humour et de chroniques familial regroupées sous le titre « Histoires de paix ». Intervenant dans des conférences ou des reportages télévisés sur les armes nucléaires, il poursuit son œuvre d’information et de dénonciation. Il a aussi raconté son histoire dans le livre « J’avais six ans à Hiroshima », à l’initiative de l’Institut Hiroshima Nagazaki. Grâce à Gen d’Hiroshima, Nagazaki Keiji était dans les années 70 le mangaka le plus connu au monde... jusqu’à la bombe Akira de Otomo Katsuhiro.

Ouvrages disponibles en France :

Mourir pour le Japon (Gen d’Hiroshima)
Gen d'Hiroshima, tome 1 - Un survivant raconte
Gen d'Hiroshima, tome 2 - Un survivant raconte
Gen d'Hiroshima, tome 3 - Un survivant raconte
Gen d'Hiroshima, tome 4 - Un survivant raconte
Gen d'Hiroshima, tome 5 - Un survivant raconte
Gen d'Hiroshima, tome 6 - Un survivant raconte
J'avais six ans à Hiroshima, le 6 août 1945, 8h15

Test : Actraiser

2007-08-12T05:28:00.000-07:00

Actraiser (ActRaiser en américain) vous met dans la peau d’un dieu. Le monde dans lequel vous êtes plongé est sous l’influence omniprésente des divinités, qui sont vénérées par les peuples et pour lesquelles les hommes érigent des statues ou monuments. Malheureusement, les forces du mal sont toujours présentes et s’éveillent, mettant à mal la population. Vos fidèles se tournent alors vers vous et implorent votre aide. Votre mission est d’aider cette pauvre populace à reconquérir son territoire. Pour cela, vous avez un à votre service un ange qui, à la maniere d’Hermès, sera votre messager et vous servira d’intermédiaire avec le monde du dessous. Lorsque les coups de lame seront nécessaires, vous prendrez forme humaine en adoptant l’apparence d’une statue à casque ailé.

Actraiser se déroule en deux parties distinctes. Lorsque vous décidez de sauver un peuple du mal, il vous faut d’abord prendre les traits de votre avatar pour faire le ménage. Vous permettrez ainsi aux habitants de se sentir en sécurité et ainsi, ils seront près à se développer. Cette partie se déroule sous la forme d’un jeu d’action pur et dur mélangeant plate-forme et combat, à la manière d’un Castlevania. Vous avancez, frappez, traversez des passages de plate-forme et rencontrez des boss souvent inspirés de la mythologie grecque. La jouabilité est assez spéciale : votre personnage est plutôt speed, mais l’action vous demandera plus de patiente qu’elle ne le laisse imaginer. Le saut, et plus particulièrement les coups d’épée durant votre bond, sont décalés et sont gênant les premières fois. De plus, c’est un jeu old school, c'est-à-dire qu’il faut connaître les niveaux par cœur si vous voulez les traverser sans embûches. E avançant dans l’aventure, votre héros gagnera en niveau. Il pourra également se servir de magies, limitées par le nombre de parchemins que vous possédez. Lorsque vous aurez fini le jeu, vous aurez accès à un mode bonus qui vous permet de vous retaper tous les stages d’action du soft.
Après avoir fini le premier niveau vous revenez sur la carte où le roi et la reine vous remercient de les avoir délivrés. Ils vous demandent alors de les aider en vue de développer et d’investir le territoire ennemi. Dans cette phase de jeu, un peu à la Sim City, vous contrôlez l’ange et devez diriger les habitants dans leur conquête des terres. Vous faites construire des routes, la population se multiplie, cultive des champs, érige des maisons, alors que vous, armé de votre arc et de vos flèches, vous défendez vos fidèles contre les monstres alentour qui veulent enlever des paysans, brûler les camps ou détruire les habitations. Sur la même carte se trouvent les bases adverses vers lesquelles vous devez envoyer vos troupes, afin de les conquérir. Par la suite, chaque cité que vous aurez développée vous sera redevable et vous fera des offrandes : des vies, des flèches spéciales, des magies, ainsi que des inventions qui peuvent être transférer d’une populace à l’autre. En outre, plus la peuplade s‘agrandit, plus vous gagnez en level, ce qui influe sur la jauge de vie lors des phases d’action, ainsi que sur les sortilèges disponibles et le nombre de parchemin. Etant un dieu, vous avez tout loisir d’invoquer les éléments naturels tel que la foudre, tremblement de terre ou canicule. Comparer cette phase de je à Sim City serait comme rapprocher Luna parc de Disneyland. Nous sommes loin d’avoir autant de liberté : mise à part orienter les habitants, dégager le terrain et provoque un séisme pour réveiller un peu la populace, les commandes sont assez limitées. Pourtant, ce système est intéressant.

Actraiser est sorti alors que la Super Famicom venait à peine de voir le jour. Faisant partie des premiers jeux, il est aussi celui qui a démontré les prouesses techniques de la machine, sur les plans graphiques et surtout sonore. Proposant un univers totalement imaginaire, Enix a créé de nombreux décors variés correspondant à différent endroits du monde : foret, temple, pyramide, arbre géant, neige... Les niveaux d’action sont suffisamment diversifiés pour faire voyager le joueur. Les graphismes sont aussi très beaux pour l’époque, même si aujourd’hui les nouvelles générations peuvent regarder ce jeu avec un œil amusé. La carte du monde a permis l’une des premières utilisations du mode 7 de la Super Famicom, ce qui était très impressionnant en 1990. Mais le clou du spectacle, c’étaient, et ce sont toujours, les musiques. Yuzo Koshiro a composé des thèmes classiques impressionnants, tant sur le plan de la qualité que sur celui des arrangements. Nous connaissons tous le talent de cet artiste hors pair, qui a notamment travaillé sur Bare Knuckules 1 et 2 (Street of rage) sur Megadrive ou encore Revenge of Shinobi, titres également connus pour leur bandes-son époustouflantes. Il existe d’ailleurs des versions symphoniques des musiques d’Actraiser qui sont, comme vous l’imaginez, divinement belles.

Actraiser a traversé les années sans prendre trop de rides. Si, graphiquement le titre est dépassé, le système, lui, conserve son originalité. La mise en scène des phases d’action, avec l’orbe d’énergie qui tombe sur la statue du guerrier, les musiques entraînantes et ce thème lorsqu’on fini un niveau, représente à merveille la victoire du héros ; tous ces détails apportent un intérêt énorme au titre d’Enix.

Existe-t-il un « Japan Way of Life » ?

2007-07-05T11:52:00.000-07:00

Diffusé par le cinéma hollywoodien et les produits de consommation de masse tel le Coca-cola, le chewing-gum, le Rock-and-Roll, ou le jean, le modèle culturel américain s’est exporté partout dans le monde durant l’après-guerre. Alors que l’Europe et l’Asie souffraient de pénurie, et devaient fournir un important effort de reconstruction, l’Amérique était en pleine croissance. C’est pourquoi c pays a été souvent pris comme modèle politique, économique et social. En liant la notion de loisir à celle de culture et de consommation, les USA ont ainsi donné naissance à l’ « American way of life » et exporté leurs biens de consommation partout dans le monde. Il semble qu’actuellement un phénomène similaire se développe en Occident : la diffusion d’un « Japanese way of life ».

Renversement curieux : les médias occidentaux avaient massivement importé des dessins animés japonais en raison de leur faible coût d’achat ; ils crient à la colonisation des esprits par ces mêmes « Japonais ». Pendant ce temps, les institutions officielles du Japon avaient cherché à promouvoir la grande culture Japonaise, c'est-à-dire sa littérature, sa peinture, l’art zen. En fait, ce sont les mangas et les animes qui rencontrent le plus de succès auprès du public américain et européen. Aussi les institution officielles doivent elles intégrer la BD et l’animation dans la grande culture, alors que ces deux médias étaient considérés comme populaires, commerciaux et sans réelle valeur artistique. Ce déphasage entre la politique culturelle officielle et l’engouement des occidentaux pour le manga et l’anime est en train de se réduire, comme l’indique les expositions sur la BD ou l’animation japonaise organisée par la Maison de la Culture du Japon à Paris. Mais les préjugés restent tenaces.

Un autre décalage explique le développement actuel du marché du manga et de l’animation japonaise en France. Durant les années 80, l’effet d’influence des enfants sur l’achat des parents avait été freiné par l’image très négative du manga, renforcé par le CSA et sa critique de certaines séries destinées aux adolescents. Même si l’enfant appréciait les animes diffusés sur les chaînes télévisées, les parents n’achetaient pas les produits dérivés lié à ces œuvres et ils ne le souhaitaient que leur enfant s’y intéresse. En devenant financièrement autonome, les adolescent et jeunes adultes ont commencé à s’intéresser de plus près aux mangas et animes qui ne sont plus, ou pas encore, diffusés à la télévision. Le marché de l’importation, tout d’abord embryonnaire, est aujourd’hui florissant. Ce sont les passionnés de manga et d’anime qui ont créé les premières entreprises de distribution et de traduction des œuvres japonaises. Nombreux sont les amateurs qui sont passés professionnels.

L’implication des lecteurs et spectateurs dans la création et la pérennité du marché sont une donnée fondamentale, qui explique l’engouement du public pour la japanimation et le manga. Le consommateur y est actif. D’autre part, la génération qui a été bercée par les dessins animés japonais sont moins réticente vis-à-vis de ce média que ne l’étaient leurs parents. L’effet d’influence, jusqu’alors bloqué, peut jouer son rôle.

La popularité des animes et des mangas auprès des adolescent, et l’engouement de ce que les journalistes ont appelé la « génération Goldorak » n’on pas été les conséquences d’un vaste programme japonais pour affirmer leur modèle de pensé en Occident. Ce serait plutôt lié à une série de circonstances qu’il faudrait essayer d’analyser. Mais surtout on note que l’image du Japon diffusée à travers les mangas et les animes ne correspond sans doute pas a ce que vivent les japonais au quotidien.

Une vision déformée ?

Pour le grand public, quelle peut être l’image du Pays du Soleil levant ? Un monde de technologie de pointe et de mode telle que la haute couture et le prêt-à-porter, l’informatique et le jeu vidéo le célèbrent depuis quelques années ? Mais surtout un univers de violence lorsqu’on prononce le mot manga. C’est indéniablement la première réponse qui vient à l’esprit. La violence est assez présente car les animes et mangas diffusés en Occident sont destinés à des adolescents, et décrivent des mondes de SF où règne le chaos. Le célèbre Goldorak n’était pas destiné aux enfants de cinq ans, mais à leurs grands frères. Evidement les médias ont tendance à opposer de façon manichéenne le « pacifique » Miyazaki » aux « machiavéliques » Otomo et Toriyama. Ils célèbrent un auteur pour ses qualités esthétiques et sa poésie pour mieux dénigrer l’ensemble de la production japonaise.

On oublie alors de préciser que les œuvres de ces auteurs appartiennent à trois genres différents, et ne sont pas destiné au même public. On ne précise pas non plus que le Japon a un taux de criminalité très bas. Le Japonais, constamment abreuvé de mangas, d’animes et d’émissions de TV où le sadisme et la violence sont bien plus intense n’est pas pourtant devenu sociopathe. En fait, beaucoup de sociologues décrivent le manga et l’anime comme des espaces de fantaisie, par lequel le public se libère de la pression sociale et familiale les accablant. Ces deux médias forment des exutoires, permettant au public de se défouler.

En outre, l’importation de manga et d’anime reflète plus les goût occidentaux que la sensibilisation japonaise. Le marché intérieur est suffisant pour que les entreprises et les éditeurs n’aient pas à exporter leur production pour être rentable. Ils n’on jusqu'à présent pas eu de politique d’exportation concertée. Que peut représenter, pour un éditeur japonais, la perspective de vendre quelques milliers d’exemplaires, quand les ventes sur place se chiffrent en millions ? Les initiatives pour diffuser le manga viennent généralement des occidentaux, aguichés par un immense marché potentiel. Les prix des animes étant moindre au Japon, la plus part des chaînes de TV vont s’y approvisionner en programme pour la jeunesse. Apres cela, peut on vraiment parler d’invasion sans être hypocrite ?

L’importation des séries d’effectue donc selon des critères de rentabilité et de goût occidentaux. Ce sont souvent les séries les plus commerciales que l’on retrouve sur nos écrans de télévision. Et tout le monde sait que le cocktail « sexe et violence » est celui qui est censé le plus attirer le public. Bien qu’elle soit célèbre et rentable, la série Doreamon, mettant en scène un robot chat farfelu, et destiné à un public d’enfants, n’a pas trouvé d’acquéreur en France avant 2003, où elle est enfin diffusée sur une chaîne hertzienne. Est-ce parce que cet anime ne comporte pas l’alliance magique précitée ?

D’autres problèmes sont liés à la distribution des mangas et animes en France, par des éditeurs ou des diffuseurs qui ne s’embarrassent pas toujours de la délimitation du public ciblé. C’est ainsi que Hokuto no Ken a côtoyé les Bisounours dans l’émission destiné à la jeunesse présentée par Dorothée à partir de 1987. Ce n’est d’ailleurs pas toujours facile pour un diffuseur ou un éditeur d’atteindre le public ciblé. La chaîne M6 souhaitait toucher une audience de 8-12 ans avec la série Card Captor Sakura, et s’est aperçue, avec étonnement, que c’est un public de 15-25 ans assez exigeant qui suivait l’anime, se plaignant de la diffusion en ordre aléatoire des épisodes.

Les mêmes problèmes de segmentation du marché, de diffusion et de type d’importation influent sur la naissance du second grand cliché lié au terme manga et à l’image du Japon. L’importation massive de BD et de dessins animés pornographiques donne une vision négative des Japonais comme étant tous des pervers, des collectionneurs de petites culottes, des violeurs de collégiennes. Certes, le personnage du perver pépère est récurant dan les oeuvres japonaise : Nicki Larson dans la série du même nom, Tortue géniale dans Dragon Ball, Happosai dans Ranma ½. Mais ces personnages ont alors une fonction comique, et sont présenté comme étant profondément ridicules. Ils ne reproduisent en rien le comportement du Japonais ordinaire. Le fait même que l’on rit d’eux témoigne de la sanction sociale négative de leur comportement. De même, le lolicon existe bien chez certains individus caractérisés comme déviant, mais en aucun cas cela ne veut dire que les Japonais sont tous pédophiles. Il en est de même en ce qui concerne le problème du viol dans la BD et l’animation. Le thème est fréquent dan ces deux médias, mais il n’y a pas de corrélation entre la représentation et le passage à l’acte chez les lecteurs.

Une autre image déformée du Japon est liée au terme otaku désignant une personne qui s’investit dans un univers imaginaire, et qui refuse d’en sortir. On estime que 1% de la population japonaise est composé de ces individus asociaux, introvertis ne vivant que pour leur collection et leur passion (jeux vidéo, anime, mangas, ect.). Le terme est associé dans l’opinion publique japonaise au nom Miyazaki Tsutomu, tueur en série des années 80. Il était fan de BD et de lolicon. C’est dire si le mot otaku est péjoratif ! Or, ce terme tend a désigner en France tout fan de manga, d’anime, ou de tout ce qui a trait à la culture populaire nippon. Brandi comme une étiquette à la fois stigmatisante et valorisante, le terme otaku prend une signification bien différente en France et au Japon.

En fait, les média français ont tendance à ne pointer que les phénomènes de société japonais négatif et rangent pêle-mêle : la prostitution des lycéennes connue sous l’euphémisme enjo kosai, la mode ganguro, l’adulation pour des objets de marque de luxe comme les sacs Vuitton, le révisionnisme, la violence lycéenne mise en scène dans Battle Royale. Il est d’autant plus commode de montrer les dysfonctionnements d’une société et de les relier aux mangas et aux animes que l’on gomme les spécificités de la société japonaise. La presse généraliste se contente de montrer les problèmes, sans expliquer en quoi ils reflètent un univers social très différent du notre, monde hyperexigeant, où les aspirations individuelles sont moins importantes que la préservation de la cohésion sociale, où les repères traditionnels ont volé en éclat au profit d’un culte de l’argent qui corrompt le système politique comme la structure sociale.

Entre magazines qui s’interroge sur les dérives sociales japonaises et ceux qui portent au pinacle tous éléments nippon, il serait temps d’avoir un regard médian et critique sur un pays qui, pour beaucoup d’adolescent, semble porteur d’idéal. Si leurs parents ont adulé les produits américains (jeans, coca, cinéma et comics), aujourd’hui les adolescents se tournent vers un Japon déformé par les médias français et par une importation de mangas et d’animes calibrée pour un public occidental par des diffuseurs occidentaux. Ces visions déformées du Japon nous renseignent plus sur les prédilections des Français que sur ceux des Japonais.

Fausse familiarité ?

En examinant attentivement l’image du Japon dans le manga et l’anime, on se rend compte qu’ils véhiculent une certaine représentation des Japonais par eux même.

Certes, certaines séries se déroulent en Occident comme Candy (Angleterre et USA), Georgie (Australie et Angleterre), Lady Oscar (France) Rémi, sans famille (France). Si de nombreux animes et mangas se déroulent dans un cadre occidental, ce n’est pas pour qu’ils soient plus facilement exportable, mais parce que, pour les Japonais, l’Europe est un continent exotique qui les fait rêver. C’est un lieu perçu comme lointain où toutes les fantaisies peuvent se produire.

La plus part des séries ont toute fois pour cadre le Japon. Lors de leur diffusion en France, ils ont été plus ou moins censurés pour en effacer l’origine japonaise. Dans le cas des séries diffusées par IDDH, tous les crédits japonais avaient été replacés par des patronymes français. Les noms de la plupart des personnages sont francisés. Kyosuke devient Max, Madoka se prénome Sabrina et Hikaru est remplacé par Pamela dans max et compagnie (Kimagure Orange Road). Il en est de même pour les musiques. Le générique français de Nicky Larson (City Hunter) arrivait comme un cheveu sur la soupe à chaque fois qu’une musique japonaise servait de fond sonore. C’était aussi le cas de Dan et Danny (Dirty Pair), Jeanne et Serge (Attacker You), Princesse Sarah (Shojoko Sarah), etc.

Il reste néanmoins des éléments dans l’intrigue , ou dans le décor, qui n’ont pas pu être totalement effacés, et qui créent des effets plus ou moins cocasses. Les fêtes traditionnelles japonaises ou tout ce qui concerne la religion sont évidemment tout de suite perçus comme étranger au monde occidental. Un des épisodes d’Emi magique était par exemple basé sur la Légende du Bouvier et de la Tisserande, renommée en Asie, mais totalement inconnu en France. Les visites des personnages dans les temples bouddhistes ou shintoïstes suscitent également une impression d’étrangeté dans les séries dont on a par ailleurs effacé les aspects japonais.

D’autres éléments, plus relié au quotidien, peuvent difficilement être enlevés d’un anime sans que cela se voie ou crée des situation rocambolesques. Cette importance de la description de la vie de tous les jours est liée au processus d’identification du spectateur au personnage. Destiné initialement à un public japonais, les animes s’attardent sur les scènes ordinaires et tendent à reproduire une image réaliste de l’univers quotidien pour favorisé la projection du spectateur sur le héros de l’anime. Mais dans le cas d‘un spectateur occidental, ces éléments de vie quotidienne deviennent au contraire des indice de singularité. Et quand la censure essaye d gommer ces éléments, elle ne fait qu’amplifier leur caractère disparate.

Dans maison Ikkoku le saké avait été remplacé par de la limonade. Mais on a rarement vu des personnes réelles se saouler de cette façon. Dans Nicky Larson, les yakusa prenaient souvent des noms italiens transformant les personnages de la pègre nippone en membre de la mafia sicilienne. Et pour ne pas choquer le jeune public, les dialogues avaient été modifiés afin de rendre les méchants particulièrement ridicules. Une même technique avait été employée lors de la diffusion de Hokuto no Ken. Des jeux de mot stupides émaillaient les dialogues pour dédramatiser la violence de la série, la rendant totalement absurde. Rappelez vous les membres du « Hokuto de cuisine » ... d’autres pratiques, courantes au Japon, peuvent paraitre étranges pour un spectateur français : les uniformes des écoliers, les tables chauffantes, les portes coulissantes, les futons, les love-hotels...

Tous ces éléments créent en effet une singularité, qui peut sembler anodin pour un jeune enfant, mais qui intrigue l’adolescent, qui cherchera d’avantage à s’informer. En tout cas, ces particularités donnent une certaine image de ce que peut être la vie quotidienne au Japon. D’ailleurs, les sites Internet de fans français proposent souvent des pages sur le quotidien au Japon, leurs habitudes vestimentaires, leurs goûts musicaux ou culinaires. D’autres proposent des photos de voyage et des images réelles des quartiers fréquemment évoqué dan les séries, comme shinjuku où est sensé résidé Nicky Larson. L’intérêt actuelle pour la J-pop ou pour le phénomène des kogaru provient e grande partie d’un engouement plus général pour l’anime et le manga. Même si le public sent bien qu’il y a une différence entre l’image du Japon vu à travers les médias et la vie réelle dans ce pays, il se sent attiré par cette nation que l’on découvre au détour de détails originaux. L’augmentation des descriptions en cours de japonais et l’intérêt accru pour cette culture correspondent aussi à la curiosité suscitée par cette familiarité biaisée, créée par la lecture de mangas ou la vision d’animes, lors de l’enfance et de l’adolescence.

S’interroger sur une culture différente devient un moyen de questionner et de construire sa propre identité. Faire partie d’un groupe de fans, chercher à imiter ou à mieux connaître les Japonais participe d’une stratégie identitaire particulière, en opposition avec l’image d’un univers parental que l’on rejette plus ou moins consciemment.

En cherchant à comprendre les phénomènes de fausses familiarités, on découvre des pans entiers de la société japonaise. Ainsi on a parfois l’impression dans les séries que tous les élèves d’une classe ont redoublé : en réalité, ils se retrouvent dans la même classe après les vacances d’été, qui constituent une pause au milieu de l’année scolaire. Le système d’enseignement japonais ne suivant pas les mêmes rythmes qu’en France, la rentrée ne se situe pas en septembre, mai en avril, et s’achève en mars de l’année suivante. Les frais de scolarité, même dans les établissements publics, sont importants, ce qui explique pourquoi, dans Fruits baskets, Toru doit travailler le soir pour financer ses études au lycée. En général, tous les élèves passent en classe supérieure, car les deux seules réelles évaluations sont le chugakko-shiken et le Daigaku-shiken. Lorsqu’ils échouent aux concours d’entrée à l’université, ils peuvent le repasser l’année suivante en candidat libre. Ils sont alors surnommés « ronin » comme Hugo dans maison Ikkoku ou Kentaro dans Love Hina.

D’autres éléments disséminés dans les séries japonaises mènent le lecteur à s’interroger sur des mythes ou légendes asiatiques, totalement inconnu du grand public occidental. L’histoire du Roi des Singes est régulièrement reprise pour former la trame de BD ou d’anime, car elle est parfaitement connu du public japonais. Mais en France, lors de la diffusion de Dragon Ball, qui était en mesure de comprendre que Son Goku est une version caricaturale de ce Roi des Singes ? Il en est de même pour la géographie particulière que l’on retrouve dans presque toutes les séries. A chaque point cardinal sont lié un animal et une couleur. Cette alliance provient de la cosmogonie chinoise que les Japonais ont adoptée. A l’Est correspond le Dragon, à l’Ouest le tigre, au Sud le phénix et au Nord la tortue. Cette conception se retrouve dans des séries aussi diverses que Dark Angel, Fushiji Yugi ou RG Veda.

D’autres mythes et légendes servent d’arrière-plan à de nombreux mangas et animes comme Ayashi no ceres, Inu Yasha, Shurato, etc. Les références peuvent être plus importantes au point de structurer tout le récit, ou très ponctuelle comme dans le second épisode de R.O.D., où apparaît Genjo, le moine bouddhiste de la saga du Roi des Singes. Dans cet anime, il possède le bâton magique de Goku et sa force.

Résonances occidentales

Un second effet curieux de la réception des animes en Occident est de permettre à un jeune public adolescent de découvrir des éléments de la mythologie et de l’histoire de sa propre civilisation. C’est notamment le cas de Saint Seiya, dont l’intrigue repose sur la mythologie grecque, mais dont les codes narratifs sont typiquement japonais. Les héros, chevalier de bronze, affrontent des adversaires bien plus puissants qui coïncident avec les 12 signes du zodiaque occidental.

Les noms des chevaliers correspondent à ceux d’être mythiques grecs : Pégase, Phénix, Andromède, Méduse, Hydre, etc. Mais les héros sont au nombre de cinq, chiffre canonique que l’on retrouve aussi bien dans les sentai, dans Yu Yu Akusho, Samurai de l’Eternel, que dans la bande des petits détectives de conan. Un même emploi d la mythologie occidentale se retrouve dans la partie Asgard de Saint Seiya (mythologie scandinave), Angel Sanctuary ou Neon Genesis Evangelion (kabbale et mysticisme chrétien), Nazca (mythologie inca). Deux coproductions franco-japonaise se basent aussi sur un fond mythologique : Ulysse 31 (Iliade et Odyssée) et les Mystérieuses cités d’or (mythologie inca, maya et aztèque).

Le mélange de l’Occident et du Japon dans ces animes et mangas est particulièrement attirant, car il permet au public de chaque pays de découvrir un élément différent de ce qu’il connaît déjà. Si la vision occidentale du Japon est déformée, il en est de même pour la représentation des Européens et des Américains au Japon.

Si l’on peut parler d’un « Japanese way of life » comme une alternative à l’ « American way of life », il faut ajouter que ce modèle n’a de nippon que les apparences extérieures. Reflet des inquiétudes et des espoirs occidentaux, le modèle japonais est plus la manifestation d’un désir de changement, d’alternative qu’une solution concrète.

Lexique:

lolicon : contraction de "lolita" et de "complexe". Désigne des personnes souffrant d'une fascination pour les jeunes filles pré-pubères.
Enjo kosai : "aider" et "sortir"
Ganguro : "visages noirs"
chugakko-shiken : examen d'entrée au lycée
daigaku-shiken : examen d'entrée national aux universités

Profil : Taniguchi Jiro

2007-07-03T09:12:00.001-07:00

Notre perception de l’œuvre de Taniguchi Jiro repose sur une série d’idées reçues, tant les titres de cet auteur disponibles en langue française, pourtant de plus en plus nombreux, ne permettent guère d’appréhender la richesse de sa production. L’erreur consisterait à enfermer Tanaguchi dans la cage, certes dorée, d’une improbable « bande dessinée d’auteur japonais», bien peu représentative de la démarche et de la diversité des registres abordés par ce touche à tout de talent.

Car si Tanaguchi a acquis en France une relative notoriété grâce à des œuvres explorant la représentation du quotidien, c’est dans le registre animalier et celui du polar qu’il s’illustre à ses débuts. Il entame sa carrière de dessinateur en 1972, après avoir été l’assistant du mangaka Ishikawa Kyuta, et se lance alors dans des histoires mettant en scène des animaux sauvages. Devant le peu de succès recueilli par ces courts récits, le jeune auteur se tourne vers le gekiga et fait en 1975 une rencontre cruciale en la personne du journaliste et écrivain Sekikawa Natsuo. Ensemble, ils se lancent dans plusieurs récits de type « hard boiled » : Hotel Harbour view, Lindo 3 ou encore Trouble is my buisness, hommage au roman noir américain et somment de leur collaboration dans ce registre.

L’année 1986 voit le début de la publication au sein du périodique Action Comics des épisodes d’Au temps de Botchan. Cette évocation du Japon à l’orée du XXe siècle, à nouveau réalisée en collaboration avec Sekikawa, met le dessinateur sur la voie d’un style graphique plus épuré et d’un mode de récit fondé sur le quotidien. Parallèlement à l’élaboration des cinq volumes qui composeront cette série, le mangaka aborde des types de récits radicalement différents : science fiction (Chikyu hyokai jiki), épopée historique (kaze no Sho, avec Furuyama Kan), histoire d’alpinisme (K) ou encore chronique animalière (Inu o Kau).

C’est en 1992 que l’auteur entame la publication dans la revue Morning des épisodes qui composeront l’Homme qui marche. Avec ces déambulations d’un homme dans le Japon d’aujourd’hui, Taniguchi Jiro accomplit un véritable tour de force : nous faire ressentir, de manière purement visuelle, des sentiments aussi subjectifs que la beauté d’un instant ou la saveur des petites choses du quotidien. Une réussite incontestable que cette œuvre expérimentale, que nous découvrons en France, en 1995.

C’est ainsi qu’au fur et à mesure, se fait nettement jour, au sein de l’œuvre de Taniguchi, une distinction entre des histoires orientées vers la représentation de l’intime et, d’autre part, des mangas tournés vers l’action. Une dialectique qui correspond à la recherche d’un équilibre, les seconds étant nécessaire afin d’évacuer la pression et le stress accumulés sur les premières. Ainsi, Taniguchi a-t-il pu, dans la seconde moitié des années 90, faire alterner deux jolies variations sur le retour d’un homme vers sa ville natale (Le Journal de mon Père, Quartier Lointain) avec un manga mettant en scène les tribulations d’un amateur de bonne chaire (Kodoku no gurume), jusqu’à illustrer, brillamment, un scénario fantasmagorique de notre Moebius national (Icar).

A l’heure actuelle, Taniguchi occupe une place à part au sein du paysage du manga japonais. Outre l’extrême diversité de sa production, il a travaillé pour plusieurs dizaines d’éditeurs différents, dont les trois plus important au Japon : Shogakugan, Kodansha et Shueisha. C’est pour ce dernier qu’il réalise, en collaboration avec Yumemakura Baku, une impressionnante saga d’alpinisme, Kamigami no itadaki (Le Sommet des Dieux), qui évoque une fois de plus la confrontation entre l’Homme et la nature sauvage. Véritable maître de la narration en images, Taniguchi a été récompensé par deux prix lors du festival d’Angoulême : en 2003 pour Quartier Lointain et en 2005 pour Kamigami no itadaki.

Oeuvres:

1979 : Lindo 3!
1980 : Muboushi Toshi -(Ville sans Défense)
1980 : Ooinaru Yasei - (Great Wilderness)
1981 : Jiken Ya Kagyou - Trouble is my Business
1982 : Blue Fighter (Ao no Senshi)
1982 : Hunting Dog
1983 : Knuckle Wars – The Fist of Rebellion (Nakkuru – Ken no Ran)
1983 : Shin Jiken Ya Kagyou - New Trouble is my Business
1983 : Live! Odyssey
1984 : Seifuu Ha Shiroi (Le Vent d'Ouest est Blanc)
1984 : Rudo Boy
1985 : Enemigo
1986 : Hotel Harbour View
1986 : Blanca - Le Chien Blanco
1987 : Botchan no Jidai - Au Temps de Botchan
1988 : K
1988 : Ice Age Chronicle of the Earth
1990 : Gen Juiten - L'Encyclopédie des Animaux Préhistoriques
1990 : Garouden (Hungry Wolves Legend)
1991 : Samurai Non Grata
1992 : Aruku Hito - L’Homme qui Marche
1992 : Kaze No Sho - Le Livre du Vent
1992 : Inu wo Kau - Terre de Rêves
1993 : Keyaki no Ki - L’Orme du Caucase
1994 : Into the Forest (Mori He)
1994 : Chichi no Koyomi - Le Journal de mon Père
1996 : Benkei in New York
1996 : Blanca II (Dog of God)
1997 : Kodoku no Gurume - Le Gourmet Solitaire
1998 : Haruka Na Machi He - Quartier Lointain
1999 : Tokyo Genshi Gyou
1999 : Sousaku Sha - Quest for the Missing Girl
2000 : Ikaru - Icare
2000 : Kami no Sanrei - Le Sommet des Dieux
2002 : Ten no Taka - Sky Hawk
2004 : Toudo no Tabibito - The Ice Wanderer
2005 : Seton
2005 : Hare Yuku Sora - Un Ciel Radieux
2006 : Sampo Mono - (Le Promeneur)

Profil : Toriyama Akira

2007-07-02T08:38:00.000-07:00

Si Dragon Ball a apporté à Toriyama Akira gloire et fortune cette œuvre a aussi bridé sa fibre créatrice. Mais commençons par le commencement. Designer d’origine, Toriyama quitte son poste assez rapidement pour faire carrière comme mangaka. Lauréat du prix Young Jump lors du concours organisé par le magazine Shonen Jump, il est remarqué par l’éditeur Shueisha qui lui donne sa chance.

Les influences de Toriyama sont à chercher du coté des films de HongKong et des Etats-Unis, dont il aime les scènes d’action et la narration. Sa grande passion reste toute fois les maquettes, qui lui permettent d’inventer ses propres véhicules, où de leur donner un aspect plus futuriste en modifiant légèrement leur design. On peut ainsi trouver dans le magazine de modélisme Tamiya des maquettes dont il s’est inspiré pour Docteur Slump ou Dragon Ball.

La carrière de Toriyama commence réellement en 1978 avec une nouvelle intitulée Wonder Island, qui sera suivie de courtes histoires humoristiques. On remarque l’influence de personnages comme Superman, Tarzan ou l’Inspecteur Harry.

Docteur Slump, publié en 1980, devient sa première série régulière et le hisse au rang de grand auteur. Sur 18 volumes, Toriyama raconte l’histoire du village Pingouin, sorte d’univers idéal et délirant d’où toute violence est absente. L’œuvre s’adresse avant tout à un public d’enfants et joue sur un humour scatologique pas toujours de bon goût, mais auquel on résiste difficilement : c’est un succès massif au Japon. Une série TV sera mise en chantier avec pas moins de 243 épisodes et de nombreux films et téléfilms.

Alors que Docteur Slump est encore en cours de publication, l’auteur travail sur de nombreuses nouvelles dont Dragon Boy, qui servira de matrice au fameux Dragon Ball. Ce manga entamé en 1984 remporte un succès rapide qui ne se dément pas. 42 volumes narreront les aventures de Son Goku et de ses amis. Toriyama donne une dimension mythique à son récit, faisant de ses personnages des surhommes, qui deviennent plus fort à chaque nouvel adversaire. Idée de génie, les personnages vieillissent au fur et à mesure de leurs aventures, se marient et ont des enfants, qui leur volent à leur tour la vedette. L’attachement des lecteurs pour les personnages, ainsi que le concept de super-guerrier, fera de ce titre un best-seller mondial, avec une série de plus de 420 épisodes et près d’une douzaine de films. Si les débuts de la série voient le talent de Toriyama « exploser », la partie où Son Goku devient adulte commence à l’ennuyer. Ses éditeurs le contraignent toutefois à continuer. Tout en écrivant Dragon Ball, il travail sur d’autres histoires en espérant que le succès viendra d’autres horizons. C’est peine perdue, et l’homme se voit devenir l’homme d’une série. Lassé de dessiner un manga avec lequel il n’a plus d’affinité, il clôture la série avec son 42eme tome. Il s’essaye alors à d’autres titres plus légers comme Cowa !, qui renoue avec l’esprit de Docteur Slump, mais sans succès, et fini par publier Kajika, un clone de Dragon Ball. Vient ensuite l’adaptation Dragon Ball GT, pour laquelle Toriyama livre le concept et quelques illustrations. Depuis il a écrit SandLand, puis Neko Majin, un manga humoristique reprenant les héros de Dragon Ball Z sous une forme SD.

Il ne faudrait toutefois pas croire que son talent se limite aux mangas. Toriyama s’occupe aussi du magazine V-Jump qui a publié la suite de Docteur Slump, tout en couleur, ainsi que Go Go Ackman !, l’histoire d’un démon insupportable. Il est aussi designer pour de nombreux jeux vidéo, dont la série des Dragon Quest, Chrono Trigger ou plus récemment de Blue Dragon sur Xbox 360. Toutes ses œuvres son aisément reconnaissable à la patte graphique si particulière.

Son dessin se caractérise par un trait simple avec des personnages en rondeurs : il est difficile de confondre Toriyama avec l’un de ses collègues. Certains prétendent à ce sujet qu’il est autodidacte et qu’il a appris le dessin seul.

Toriyama est un auteur essentiel dans le paysage du manga, mais il se trouve aujourd’hui contraint par le public à lui donner du Dragon Ball, ce à quoi il se refuse. Un cas qui prouve que les mangaka sont avant tout dépendants de la bonne volonté de leurs lecteurs.

Œuvres :

1978 : L’ile merveilleuse
1979 : L’ile d’Haraï
1979 : Inspecteur Tomato
1980 : Dr Slump
1981 : Pola & Roïd
1981 : L’évasion
1981 : Dr Slump (animation)
1982 : Pink
1982 : Mad Matic
1983 : Chobit
1983 : Dragon Boy
1983 : TongPoo
1984 : Dragon Ball
1985 : L’apprenti Mangaka
1986 : Mister Hô
1986 : Dragon Ball (animation)
1987 : Lady Red
1987 : Kennosuke
1988 : Sonchoh
1988 : Kosuke & Rikimaru (animation)
1988 : Appel Pop (animation)
1988 : Mamejiro
1989 : Soramaru
1990 : Wolf (histoire illustrée)
1990 : Kennosuke (animation)
1990 : Cashman
1992 : Dub & Peter
1993 : Go Go Ackman !
1996 : Alien X Peke
1996 : Toki Mecha
1997 : Bubul
1998 : Cowa !
1999 : Kajika
2000 : SandLand
2001 : Neko Majin
2003 : L’ange Toccio (histoire illustrée)
2006 : Cross epoch
2007 : Blue Dragon
2007 : Blue Dragon (animation)

Profil : Clamp

2007-07-01T11:35:00.000-07:00

Clamp, en anglais « crampon » ou « silo de pomme de terre », est un collectif de quatre femmes mangaka qui produisent une alchimie singulière, loin du shojo manga habituel. En plus d’un habile recyclage des ingrédients qui font les séries à succès, leur vision pessimiste de l’adolescence est sans doute à l’origine de leur énorme succès et du caractère « culte » de certains titres.

Clamp naît en 1987, lorsque 12 jeunes filles, qui participent déjà à divers dojinshi, créent un collectif ainsi baptisé consacré au manga. Le premier dojinshi signé Clamp parait en juillet 1987. Elles sont 7 (Okawa Nanase, Apapa Mokona, Igarashi Satsuki, Nekoi Mick, Nanao Sei, Akiyama Tamayo et Sei Leeza) lors de la publication de RG Veda en avril 1989, qui marque les débuts professionnels du groupe. Suivent Le voleur aux cent visages, Combination, et deux autres séries rapidement interrompues. Leur premier récit édité en volume est Derayd en décembre 1989. L’année suivante, Nanao quitte Clamp, suivit en 1992 par Akiyama et Sei.

Restent Okawa, Apapa, Igarashi et Nekoi qui forment encore Clamp aujourd’hui. Elles partagent le même appartement, facilitant l’organisation de leur travail en équipe où chacune a des taches définies. Okawa nanase et Apapa Mokona sont au cœur de Clamp : la première est auteur, scénariste et porte-parole ; la seconde est la dessinatrice principale, à l’origine du graphisme si identifiable des personnages de Clamp. Iragashi Satsuki est surtout chargée des trame, fondamentales sur certaines séries. Nekoi Mick s’occupe, elle aussi, des trames, des lignes de vitesse, des décors simple et des SD ; secondant Apapa, elle est parfois, depuis 1995, dessinatrice principale. Leur étroite collaboration est à l’origine de l’univers Clamp, nourri d’ambiances fantastiques et de références issues des mangas et des jeux vidéo.

Mais où chercher la source de leur spécificité ? Dans une adroite utilisation des codes du shojo (amour, magie, beaux garçons et fleurs de cerisier) ? Dans leur appropriation de symboles religieux et tokyoïtes en un cocktail gothico-mystique ? D’où émane l’atmosphère troublante de leurs mangas les plus singuliers que sont RG Veda (1990-1994), Tokyo Babylon (1991-1994) ou X (1992- ?) ? Le secret de Clamp réside peut être au cœur des portraits d’enfants et d’adolescents tragiques que sont Ashura, Sumeragi, et la pléiade des héros de X, synthèse des fantasmes clampiens. Confrontés à des phénomènes qu’ils ne comprennent pas, dans un monde qui leur est étranger, luttant contre des adultes qu’ils découvrent ambivalent, ces personnages doivent affronter leurs peurs pour passer de l’enfance à la maturité. L’univers de Clamp, régit par les relations humaines incertaines voire dangereuses, est synonyme de dualité, mais aussi de déception, de trahison et de sacrifice, matérialisé par des combats foudroyants, souvent fatals. Fait rare, Okawa refuse de modifier ses scénarii pour sauver tel personnage de son destin tragique. Cette absence de compromis donne aux œuvres les plus aboutis de Clamp une noirceur obstinée, inquiétante jusqu’au malaise. De l’excellent Tokyo Babylon au graphiquement somptueux Trèfle (1997-1999), c’est là leur signature.

Le reste de leur production est moins original, même si parcouru de soubresauts propre à rappeler l’identité de leurs auteurs. Leurs mangas destinés à un jeune public adoptent en coscéquence un tom plus leger (le voleur aux cent visages, Clamp School Detective, Magic Knight Rayearth, Card Captor Sakura, Angelic Layer), parfois burlesque (Dukalyon). Après le romantisme fleur bleue de Celui que j’aime (1995), Wish (1996-1998) et J’aime ce que j’aime (1999-2000), la série Chobits, commencée en 2001 et s’adressant d’abord aux garçon, aborde la comédie sentimentale dans un registre plus cru. Plus récemment le collectif s'est lancé dans une "double oeuvre", XXXHolic et Reservoir Chronicle, multipliant les crossovers tant entre les différentes séries formant l'univers de Clamp qu'entre ces deux titres. Leur travail ne s'arrête pas aux oeuvres made in Clamp mais s'étend parfois au delà. Pour exemple prenons la dernière série majeure de Sunrise, Code Geass Hangyaku no Lelouch, dont Clamp a réalisé un travail mêlant chara design et Mecha Design. Cet anime étonne par sa qualité graphique et la froideur malsaine que dégage le héros. Clamp est un collectif qui depuis ses débuts n'a pas arrêté de nous surprendre et gageons que l'avenir nous réserve encore de très belles surprises.

Oeuvres du collectif :

1990-1996 : RG Veda (10 tomes)
1990 : Tenku Senki Shurato Original Memory : Dreamer (23 pages)
1990 : Koi wa Tenka no Mawarimono (44 pages)
1990 : Le Voleur aux cent visages (2 tomes)
1991 : Shirahime Syo (1 tome)
1991-1994 : Tōkyō Babylon (7 tomes)
1992-1993 : Clamp School Detectives (3 tomes)
1992 : Shin Shunkaden (1 tome)
1992 : Hagunsei Senki (4 chapitres, inachevé)
1992-1993 : Dukalyon (2 tomes)
1992 - ? : X (18 tomes?)
1994-1996 : Magic knight Rayearth (6 tomes)
1994 : Hidarite (16 pages)
1994 : Sōryūden Gaiden : Suito no Dragon (3 chapitres, inachevé )
1995 : Miyuki-chan in Wonderland (1 tome)
1995 : Celui que j'aime (1 tome)
1996 : Yumegari (1 chapitre de roman, inachevé)
1996-1998 : Wish (4 tomes)
1996-2000 : Card Captor Sakura (12 tomes)
1997-? : Trèfle
1999-2000 : J'aime ce que j'aime (3 tomes)
1999-2001 : Angelic Layer (5 tomes)
2000-? : Lawful Drug
2001 : Chobits (8 tomes)
2002 : Murikuri (15 pages)
2003-? : RESERVoir CHRoNiCLE
2003-? : XXXHOLiC
2004-? : Clamp Anthology
2005 : Kobato
2007 : Rex (1 tome)

Profil : Inoue Takehiko

2007-07-01T08:40:00.000-07:00

Inoue Takehiko passe son enfance sur l’île de Kyushu, se passionnant pour le sport, notamment pour le baseball et le basket, mais aussi le dessin. Son destin se scelle lors du concours Tezuka organisé par le magazine Jump en 1988. Inoue remporte le premier prix avec Kaede Purpule! Cette histoire tourne déjà autour du basket et représente un héros prénommé Rukawa Kaede, un nom que l’on trouvera dans Slam Dunk. Inoue devient alors l’assistant d’Hojo Tsukasa pendant 10 mois.

Après quelques nouvelles qu’il renie aujourd’hui, le mangaka passe à la vitesse supérieure en 1989 avec Slam Dunk. Hanamichi, un voyou aux cheveux décolorés, se voit rejeté par une fille qui lui préfère un joueur de basket. Sa haine pour ce sport grandit jusqu’au jour où il rencontre Haruko, douce jeune fille dont il tombe aussitôt amoureux, et qui est fan de basket. Pour lui faire plaisir, Hanamichi s’intègre dans l’équipe du lycée. Le tour de force d’Inoue est d’avoir fait de son héros un néophyte complet. Ainsi Hanamichi cumule les fautes au début de sa formation, mas s’affirme au cours des tomes de part sa volonté de se dépasser. Ainsi le lecteur peu familier avec les règles du basket s’amuse à découvrir ce sport, tout comme le héros. Grand amateur de ce jeu, Inoue s’applique à rendre les mouvements crédibles et réalistes.

A la différence d’autres mangas sportifs, qui font se succéder les matches, l’auteur prend le temps de donner de l’épaisseur à son personnage en nous faisant notamment assister à son entraînement. Il sait aussi donner vie à d’autres figures charismatiques qui ont leurs personnalités, et qui volent souvent la vedette au héros. Les matches sont en générale difficiles, les joueurs en sueur, la tension devient plus forte au fur et a mesure que la fatigue s’installe et que les fautes se multiplient. Slam Dunk s’arrête au bout de 31 tomes en 1996, avec pas moins de 100 millions d’exemplaires vendus à travers le monde.

Pendant les deux années qui suivent, Inoue lance un nouveau manga de basket, Buzzer Beater, qui a la particularité d’être diffusé sur le net. Plutôt délirante, cette série entièrement en couleur met en scène un tournois intergalactique de basket. Quatre personnages s’affrontent, pour occuper la même position au sein d’une équipe qui est en train d’être montée. L’un deux s’appelle Hideyoshi et s’avère être un joueur d’un talent exceptionnel. Diffusé sous forme de chapitres de 6 pages, le manga à ensuite été publié au sein de Jump Magazine, puis édité sous forme de 5 volumes. Le manga est encore disponible sur le site de l’auteur.

En 1998, Inoue retourne à la publication sur papier avec Vagabond. Adapté du Best-seller Musashi de Yoshikawa Eiji (La pierre et le sabre et La parfaite lumière, Ed. J’ai lu), le manga met en scène Miyamoto Musashi, célèbre bretteur. Dans un style beaucoup plus réaliste, Inoue raconte l’histoire d’un homme en plein apprentissage. A l’instar d’Hanamichi, qui doit surmonter son orgueil et sa maladresse pour marquer des paniers, Musashi doit apprendre à canaliser sa violence pour atteindre l’étape supérieure dans l’art du sabre. Remarquablement écrit, le manga ne cesse de jouer avec le lecteur en lui faisant miroité l’arrivée d’un combat pour mieux délier le temps et rendre chaque regard, souffle ou pensée déterminant. Loin d’être un récit d’action, Vagabond est bien une œuvre de réflexion, dans laquelle l’art du sabre s’apparente à une philosophie de vie.

En 1999, l’auteur entame l’écriture de son dernier travail en date : Real raconte la vie de Nomiya, lycéen qui a du abandonner ses études à cause d’un accident de moto. Sa rencontre avec un joueur de basket en fauteuil roulant va lui redonner goût à la vie.

A 40 ans, Inoue est encore un jeune auteur. Sa grande force semble résider dans sa capacité à répondre aux attentes du public, tout en construisant patiemment une œuvre qui lui tient à cœur. A l’instar de ses personnages, Inoue semble être en constant apprentissage, apprenant de ses erreurs, faisant évoluer son graphisme. Avec seulement 4 œuvres majeures publiées, il est devenu l’un des mangaka les mieux payés au japon et, à la différence de ces collègues, il détient les droits de ses oeuvres. Une singularité exemplaire qui en fait un auteur à suivre.

Site de l'auteur: Ici

Œuvres :

1988 : Kaede Purpule
1989 : Chameleon
1989 : Slam Dunk
1990 : Akagasuki
1992 : Baby Face
1993 : Hang Time
1996 : Buzzer beater
1998 : Pierce
1998 : Vagabond
1998 : One on One (jeu PSX, chara designer)
1999 : Tokaimon
1999 : Real
2002 : I love this game
2005 : Lost Odyssey (jeu Xbox 360, chara designer)

Profil : Katsura Masakazu

2007-07-01T06:28:00.000-07:00

Tout commence pour Katsura Masakazu en 1980, lorsque après 2 tentatives infructueuses, il a le bonheur de remporter le premier prix du concours Tezuka organisé par le mangashi Jump. Katsura intègre alors une école d’art, mais l’un des éditeurs de Jump lui fait une proposition qu’il ne refuse pas : devenir professionnel, sans commencer comme assistant comme les autres dessinateurs. Katsura accepte et enchaîne les nouvelles pour se faire la main.

En 1983, le voila qui publie sa première œuvre majeur, Wingman. L’histoire met en scène Kenta : accompagné de la princesse Aoï, il se transforme en Wingman pour lutter contre les extraterrestres. Dans une ambiance Sentai, Katsura créé un univers de science fiction inspiré par les super héros comme Batman, dont il est fan. Le succès est au rendez-vous avec 13 tomes et une série TV. Une véritable consécration pour un auteur qui débute. Toutefois, son éditeur se montre inquiet : selon lui, Katsura ne dessine pas bien les jeunes filles et n’exploite pas bien la fibre romantique. De fait, Katsura se retrouve rejeté par le public à la fin de Wingman. Il lance d’autres nouvelles en espérant que l’une d’entre elle aura suffisamment de succès pour en faire une série longue, mais c’est peine perdue. Plus grave encore, Katsura est victime d’un accident et se retrouve la main dans le plâtre. Lorsqu’on lui retire le jeune auteur se rend compte qu’il ne sait plus dessiner.

1989. Suivant les conseils de son éditeur, Katsura, alors au plus bas, écrit une nouvelle intitulée Video Girl. Il donne alors au public ce qu’il attend, tout en gardant un aspect SF qui lui tient à cœur. La serie met ainsi en scène Aï, une fille virtuelle envoyé pour consoler Yota, un adolescent amoureux de Moémi, qui lui préfère son meilleur ami. Le succès est fulgurant : en 15 tomes, Katsura écrit une histoire qui, après un départ vaudevillesque, prend à bras-le-corps les problèmes des adolescent avec justesse et une intelligence telle que Japonais, Américain ou Français s’y sont retrouvés. Abordant des thèmes comme la drogue, le viol, la fidélité ou la perte de l’enfance, Katsura livre un manga bouleversant qui devient une référence. Une suite de 6 OAV est mise en chantier, ainsi q’un roman pour lequel il fournit des illustrations.

Malheureusement, son nouveau statut de star du manga ne l’épargne pas. En effet, Katsura espère être en position de livrer des oeuvres qui lui tiennent à cœur comme Zetman, mais elles ne remportent guère de succès. D.N.A.², sur les conseils de Toriyama Akira présente un héros aux pouvoirs proches de Son Goku. Le public critique sévèrement Katsura, qui l’accuse de plagia. Après cinq tomes, et malgré la production d’un anime de 13 épisodes par le studio Madhouse, la série s’arrête. Katsura relance ensuite Shadow Lady. Cet hommage au film de Batman, de Tim Burton est un vieux projet de l’auteur. La mayonnaise ne prend hélas pas, et la série se termine après 3 volumes.

1997. Nouvelle année charnière pour son auteur. Conscient des attentes du public, Katsura consent à se lancer dans un nouveau manga romantique. I’s raconte la vie sentimentale d’Ichitaka, fou amoureux de la belle Iori ; mais il se retrouve être la cible de son ami d’enfance Itsuki. Katsura ne fait intervenir, cette fois-ci aucun élément fantastique. La série à un succès qui se décline en 15 tomes, avec des OAV récemment produites. Toutefois, on sent que quelque chose s’est brisé : Katsura se plein de son manque d’intérêt pour la série et se contente de recycler des idées de Video Girl.

Après la nouvelle Dr Chanbelee, Katsura a pris de longues vacances avant de relancer Zetman dans un magazine pour jeunes adultes. Cette fois Katsura semble avoir trouvé son public. Mais le destin de Katsura, pas si éloigné de celui de son ami Toriyama, montre dans quel cercle vicieux peut se trouver entraîné un auteur qui a un succès trop fort et trop fulgurant : dépendant du bon vouloir du public, il est obligé d’obéir aux lois du marché plutôt qu’à celle de son cœur.

Oeuvres :

1980 : Tsubasa
1981 : Tenkosei wa Hensosei
1981 : Gakuen Butai 3 Paro Kan (1&2)
1982 : Mimi ni Suzumi !
1982 : Aki no Suzumi...
1983 : Wingman
1985 : Chokidoin Vander
1986 : Szu kaze no Pantenon
1986 : Kana
1987 : Present from Lemon
1988 : Chisana Akari
1988 : Etranger
1989 : Shin-no-Shin
1989 : Video Girl
1989 : Den-Ei Shojo Video Girl Ai
1992 : Den-Ei Shojo Video Girl Len
1992 : Shadow Lady
1993 : Woman in the man
1993 : D.N.A.²
1994 : Zetman
1995-1996 : Shadow Lady
1996 : M
1997 : I’s
2000 : Dr Chanbelee
2002 : Zetman

Dossier : Courants d’influences graphiques

2007-06-30T13:16:00.000-07:00

On peut établir plusieurs lignes d’influences assez étonnantes. L’une d’elle concerne l’estampe japonaise, l’Art Nouveau et le manga. Trois époques, trois expressions artistiques qui relient l’Occident et l’Orient par de multiples courants d’influences. Ces lignes de convergence liant l’Asie, l’Europe et l’Amérique nous rappelle qu’aucune œuvre ne se crée ex nihilo : elle naît toujours du souvenir d’une œuvre antérieure. Nous vous proposons donc un cours voyage oscillant entre le Japon et l’Occident, de l’époque Edo (1603-1867) jusqu’à nos jours, pour découvrir les courants d’influences reliant l’estampe, la BD, le dessin animé des années 1920, l’Art nouveau et la BD contemporaine.

Origines Graphiques :

L’époque Edo constitue deux siècles de calme relatif, durant lesquels apparaissent de nombreuses innovations artistiques. Elles sont liées à l’essor d’une classe moyenne, avide de plaisirs et de raffinements. Face aux écoles traditionnelles de peintures se développe l’estampe ou, pour employer le terme japonais plus poétique l’Ukiyo-e, « tableau du monde flottant ». Tandis que la pratique et la jouissance des styles de peinture les plus anciens étaient souvent réservées aux seuls nobles, l’Ukiyo-e s’adresse à un public plus large en puisant son inspiration et ses sujets dans le monde du plaisir (geisha et kabuki), la vie quotidienne, la nature, la mythologie, ou en s’adonne à des pastiches de toiles célèbres.

L’estampe japonaise, comme la peinture, participe d’une conception non mimétique de la réalité. Alors que l’art occidental est fondé sur le clair-obscur, l’art japonais s’appuie sur le jeu des lignes, des arabesques pour, non pas représenter la réalité, mais l’évoquer. Il s’agit de la suggérer et d’en donner une représentation poétique. Cette absence de soucis d’imitation de la nature explique sans doute pourquoi on reproche aux estampes japonaises leur uniformité, le faite que les visages se ressemblent tous. De même, on reproche aux mangas son manque de diversité et de « réalisme ». En faite il n’existe pas d’obligation de prima facies dans le dessin japonais, puisque la nature ne doit pas être imitée, mais évoquée.

Les aspects caricaturaux du manga dérivent sans doute de l’estampe et plus précisément du style Tobae. Héritier de ce dernier type de dessin humoristique, les kibyoshi (à couvertures jaunes) sont des recueils d’illustration ornés de textes qui constituent de petites histoires. Ils étaient fort appréciés au début du XIXe siècle. On peut y voir un ancêtre encore plus proche du manga. Ainsi, la BD et l’animation japonaises héritent d’une tradition picturale basée sur les jeux de lignes et d’aplats. On peut comparer l’utilisation des trames à celle des zones de couleurs dans l’estampe.

La relation graphique entre l’Ukiyo-e et le manga moderne a été explorée par Sugiura Hinako. Dans Asaginu publié dans le magazine Garo en 1981, elle imite le style graphique de l’estampe japonaise de l’ère Edo. Cette mangaka s’est aussi essayée à reproduire le style graphique et le format kibyoshi dans Hanageshiki Kitsune Kodan.

Une dernière similitude est remarquable entre l’estampe et le manga. Grâce à la technique de la gravure sur bois, l’Ukiyo-e est accessible à tous. Si, pour les tirages à grand public, du papier torchons est utilisé (comme de nous jour pour les magazine de prépublication), pour les tirages plus soignés, on emploie un papier très épais permettant le gaufrage, l’addition de poussière d’or, d’argent, de cuivre ou de mica. De même, aujourd’hui, les séries à succès bénéficient d’une édition de luxe avec des pages couleurs inédites.

Le Japonisme :

Durant la période Meiji (1868-1912) et la Belle Epoque (début XXe), l’Ukiyo-e suscita un engouement considérable auprès du public et des artistes européens. Il amenait de l’exotisme, et la découverte d’une forme différente d’appréhension du monde par le dessin. L’estampe fut une révélation pour de nombreux artistes comme Van Gogh (qui recopia de nombreuses estampes d’Hokusai et d’Hiroshige), Manet, Gauguin, Degas, Toulouse-Lautrec et les Nabis, pour ne citer que les plus connus. L’estampe apportait du sang neuf à un art qui s’enlisait dans la morne répétition des styles des siècles passés. L’art occidental se tourne ainsi vers l’Orient pour trouver un second souffle, comme il s’inspira de l’art africain pour se renouveler après la Première Guerre Mondiale.

Le terme « Japonisme » désigne les courants artistiques de la fin du XIXe, inspiré par les estampes, motifs et objets d’art japonais. L’influence japonaise remarquable au niveau des formats des tableaux utilisés ; carré ou rectangulaire en hauteur (proche des kakemono japonais) est surtout notable dans le domaine technique. La ligne, la courbe et l’irrégularité de forme sont misent à l’honneur. La synthèse et l’esthétique décorative priment sur la recherche du détail. La profondeur est niée au profit de l’utilisation d’aplat de couleurs. Le « cloisonnisme » de Gauguin consiste notamment à cerner des aplats, à délimiter par un trait, ce qui rapproche cette technique à la fois de l’estampe japonaise et du vitrail.

Le japonisme englobe, entre autres, l’Art Nouveau, reflet de la Belle Epoque, qui disparaît avec elle. Comme l’Ukiyo-e, son développement est lié à l’essor de la classe moyenne et à la volonté sociale de mettre l’art à la disposition de tous. Les diverses expressions de l’Art Nouveau varient selon les particularismes nationaux et les tempéraments des artistes. Mais elles se distinguent toutes par un fort naturalisme, une stylisation végétale, une composition décorative et une volonté de synthèse. Ce courant aux noms multiples (Modern Style, Jungenstil) tend à abolir les frontières entre arts graphiques et arts libéraux. Il englobe aussi bien la céramique, le mobilier, la joaillerie et l’affiche que la sculpture, l’architecture ou la peinture.

Pour les japonais, l’artiste le plus représentatif de l’Art Nouveau semble être Mucha, auquel une grande rétrospective fut consacré à Tokyo en 1983. Dès 1900, plusieurs de ses affiches sont d’ailleurs redessinées pour faire la couverture de magazines d’art japonais. Curieusement, Alphonse Mucha leur apparaît comme un artiste représentatif de l’art occidental, alors qu’il s’inspire directement de l’Ukiyo-e.

L’influence de Mucha sur les artistes japonais fut sans doute déterminée par l’exubérance de ses arabesques, ses courbes élancées qui rappellent le tracé curviligne des estampes. A la fascination des européens de la Belle Epoque pour l’Ukiyo-e répond à l’admiration des japonais pour Mucha et l’Art Nouveau.

L’influence de Mucha :

Le style de Mucha, difficilement exploitable dans les BD en général, se retrouve surtout dans les illustration et les supports publicitaires. Ce n’est guère étonnant car les dessins de Mucha sont souvent destinés à faire de la publicité de produit ou de pièces de théâtres. Aussi retrouve-t-on des images inspirées de cet artiste européen aussi bien dans le domaine de l’animation que celui des mangas. Clamp est certainement le groupe d’artiste le plus inspiré par Mucha. Elles utilisent des cadres Art Nouveau et des compositions à la Mucha dans la plus part de leurs illustrations de RG Veda, X et Magic Knight Rayearth. Fujishima Kosuke s’inspire tout particulièrement de Mucha pour son Ah ! My Goddess, ses héroïnes se parant de robes au nombreux replis, et dont les chevelures aux multiples arabesques n’on rien n’a envier aux femmes de Mucha.

De même que Klimt avait exercé une influence bénéfique sur le monde de l’heroic fantasy du Slaine (1989) de Simon Bisley, Mucha est une source d’inspiration pour le monde heroic fantasy de Lodoss ou Elver Z de Mikimoto, et bien d’autre. L’influence de Mucha est si flagrante qu’il vous suffit de comparer les images. Mais force est de constater que souvent des illustrations à la Mucha se révèlent n’être que de simples démarquages de peinture de Mucha. C’est le cas d’une série de portrait de Sailor Moon, assise dans un cadre Art Nouveau simplifié, et dont les poses sont calquées sur celles des femmes de la série Les Pierres Précieuses de Mucha.

Notons enfin les nombreuses variations apportées au cadre végétal « Art Nouveau » par les mangaka. Katsura Masakazu et Clamp emploient notamment des formes décoratives biscornues pour les divers cadres mettant en relief leurs personnages.

Occident, échanges d’influences :

Le manga et l’animation japonaise inspirent de nombreux dessinateurs occidentaux, et non des moindres. Rappelons que la diffusion de nombreuses séries télévisées japonaise dans les années 60 et 70 avait créé un important marché potentiel pour le manga. Des séries telle que Robotech, firent l’objet d’adaptations en BD par des dessinateurs américain. Contrairement aux adaptations françaises (Goldorak, Albator ou Capitain Flam), celles des Etats-Unis étaient prisent au sérieux, et l’adaptation d’anime en comics s’est poursuivit avec des titres comme Dirty Pair (1989) et Bubblegum Crisis de Warren, ou Project A-Ko et Cyber City, diffusés par un éditeur spécialisé dans l’adaptation, CPM Comics. Ces BD reprennent à peu près le graphisme japonais original, mais sont des œuvres originales dessinées par des Américains. D’ailleurs, Bubblegum Crisis comme Dirty pair sont initialement des animes qui n’existent pas sous forme de manga.

L’un des premiers artistes américain influencé par le manga est frank Miller, créateur de Sin City (1993). Grand admirateur du Lone Wolf and Cub (Kozure Okami) de Koike et Kojima, Miller créa, en outre, des couvertures inédites pour la version américaine de ce manga, dont il écrivit aussi la préface. Il s’en inspire également pour son comics, Ronin (1989). C’est grâce à lui que les éditeurs et le public américains s’intéressèrent sérieusement au manga. Pour les autres dessinateurs américains, il est nécessaire de parler de l’influence croisée de l’animation et du manga. Les artistes américains, comme ceux de l’Europe, sont tributaires des éditeurs de mangas et d’animes traduits, ce qui explique que les créateurs qui soulèvent le plus d’enthousiasme aux Etats-Unis ne sont pas toujours les même que de l’autre coté du pacifique.

L’influence du manga et de l’anime sur le comics est telle qu’elle a fait l’objet de deux articles dans le magazine américain Wizard à moins e 6 mois d’intervalle dès 1996. A ces occasions, ont été interrogés sur leur passion du manga et de l’anime plusieurs artistes en vogue : Madureira (Uncancy X-men), Campbell (GEN 13), Tucci (Shi), Ramos (Impulse), Adams (Godzilla), Pulido (Lady Death) et l’incontournable critique, Scott McCloud. Il en ressort, sans grande surprise, que les principales œuvres japonaises les ayant inspirées sont Akira pour l’anime et Ghost in the Shell pour le manga. Comme en Europe, l’auteur de ce dernier, Shirow Masamune, jouit d’une très grande popularité. Aux cotés de Shirow et d’otomo, ontrouve des artistes comme Katsura (Video Girl Ai), Fujishima (Ah ! My Goddess), Sonoda (Gunsmith cats), alors que Tezuka et Go Nagai ne sont cités que par deux personnes. Du côté de l’animation, Ninja Scroll remporte un vif succès aux côtés d’autres animes du studion Mad House (Gunnm, La Cité Interdite ...)

Parmi d’autres exemples de collaboration ou d’hommages, on pourra noter la parution aux US de devilman, manga de Go Nagai, a donné lieu à de réjouissantes couvertures inédites dessinées par Frazetta et Bisley. Mike Mignola, admirateur de Terada Katsuya (Blood, Sayukiden), lui confie le desing des monstres pour l’adaptation de Hellboy. Le développement du manga et de l’anime dans ce pays favorise les collaborations entre Japonais et Américains, au point que certain mangaka s’expatrient aux US (Asamiya).

En France, Jorodowski et Moebius on fait office d’ambassadeurs du manga et de l’anime dans les années 80 et 90, le créateur d’Arzach étant d’ailleurs interviewé à tout propos sur la BD japonaise. Parmi les artistes inspirés du manga, on peut citer Marini (Gipsy, Rapaces), qui revendique d’ailleurs l’influence japonaise sur son œuvre. La série Aquablue de Vatine, emprunte au manga les lignes de mouvements et certains Mecha ne sont pas sans rappeler Patlabor.

De son côté Glenat avait proposé des BD dont le graphisme se veut similaire à celui des mangas : HK (1996) et Nomad (1994). Casterman, en collaboration avec le mangashi nippon Morning, a plutôt cherché à métisser la BD franco-belge et la japonaise, avec des titres comme l’Autoroute du soleil (1995) de Baru. C’est également une démarche adoptée par Boilet. Du côté des amateurs, l’ancien mensuel Yoko avait publié des BD inspirées par le graphisme du manga et des animes. Aujourd’hui c’est le tour du mensuel Coyote. On observe qu’un grand nombre de dessinateurs amateurs adoptent un graphisme nippon. Leur travail sur les divers types de support visuels pour l’habillage de convention de fans est un exemple de leur assimilation du graphisme japonais et d’une bonne maîtrise du dessin.

Si beaucoup de personnes ont pu avoir peur de ces deux médias japonais, comme on avait peur des comics dans les années 60, ce n’est plus le cas aujourd’hui. D’ailleurs, de nombreux éditeurs semblent n’y voir qu’une source de profit facile, le mot manga déliant le cordon de toues les bourses. Le fait que des entreprises appartenant à des domaines très éloignés de l’édition se servent de visuels reprenant le graphisme nippon en est une preuve.

Qu’en est il de l’influence de la BD occidentale sur le manga ? Elle concerne surtout les comics et touche surtout le domaine de la SF et de la fantasy. Katsura, grand fan de Batman, entraîne les personnages de Video Girl Ai à une séance de cinéma où est diffusé Batman. N’oublions pas Zetman dont le graphisme et l’atmosphère s’inspire énormément de l’œuvre de Bob Kane et Bill Finger. Dans Gunnm on note la présence du héros de Slaine. Il existe aussi diverses réinterprétations de super héros américains par les mangaka, telles que Batman par Otomo et Asamiya, Spiderman par Ikegami, ou les couvertures représentant Wolverines par Terada.

Ainsi, le manga apporte un second souffle aux comics et à la BD franco-belge, une approche narrative et picturale différente. L’influence qu’il exerce dans le monde de la bande dessinée est en ceci presque comparable à celle de l’estampe sur l’art européen de la fin XIXe siècle. Inversement, les comics sont une source d’inspiration pour le manga, qui s’enlise parfois dans les stéréotypes stériles.

En conclusion, de ce parcours entre l’Orient et l’Occident, on peut considérer que l’influence entre artistes du manga, des comics et du franco-belge devrait s’accroître. Certains s’inquiète déjà du risque d’uniformisation de la BD mondiale, qu’elle se fasse au profit du manga ou de tout autre type de BD. Ce serait déplorable, puisque ce sont les différences qui font la richesse. Un artiste de talent restera toujours celui qui saura tirer le meilleur d’un genre pour créer un style personnel.

Mais plus que l’influence graphique, il faudrait analyser l’influence des modes de narration du manga et de l’anime sur la BD et le dessin animé. Ce n’est pas seulement au niveau de la représentation que les médias japonais apportent un souffle nouveau, c’est aussi dans la manière d’envisager le découpage des cases, la mise en page et la façon de raconter.

Profil : Ôtomo Katsuhiro

2007-06-30T09:33:00.000-07:00

Né en 1954 dans la province agricole de Miyami, situé à plusieurs centaines de kilomètres de Tokyo, le jeune Ôtomo Katsuhiro est un fou de cinéma et de bande dessinée qui se lance dès la fin du lycée, à l’assaut de la capitale, avec la ferme intention de devenir mangaka. En 1973, il publie dans le magazine Action Comics sa première histoire, Jûsei, une adaptation de Mateo Falcone et Prosper Mérimée, et réalise par la suite quantité d’histoires courtes, forgeant son dessin semi réaliste, innovant notamment dans la représentation des visages. Mais outre une patte inimitable, Ôtomo se distingue par le choix de ses sujets et le ton de ses récits. S’il aborde volontiers à ses débuts les genres canoniques du manga, il se tourne rapidement vers un style d’histoire totalement personnel, à mi chemin entre la chronique de mœurs et le registre satirique.

Habitant la banlieue populaire de Tokyo, il se plait à décrire, avec humour acerbe, le quotidien des étudiants désargentés, jeunes couples avec enfants, yakuza miteux et autre paumés en tout genre qui la peuplent. De la soirée arrosée entre pote qui dégénère à une tentative de viol calamiteuse, en passant par le quotidien de SDF complètement allumés, chacune de ces histoires est un moment d’anthologie, le tout découpé et mis en image avec un talent alors en pleine explosion. Ce qui est certain, c’est qu’entre 1973 et 1982, Ôtomo va publier plus d’une soixantaine d’histoires courtes, autant de trésor qu’il nous reste encore à découvrir. En 1977, il entame son premier récit d’envergure, Sayonara Nihon, qui relate les aventures d’un karatéka nippon à New York.

En 1979, Ôtomo s’essaie pour la première fois à la science fiction avec Fireball, tandis que paraissent les deux premiers recueilles d’histoires courtes, Short Peace et Highway Star. L’année suivante on voit le lancement de Domu (Rêve d’enfants en VF). Ce thriller fantastique situé dans les grands ensembles de la banlieue de Tokyo permet à Ôtomo de roder certaines thématiques que l’on retrouvera dans Akira, ainsi qu’un mode de narration inspiré par le cinéma. C’est le « Choc Ôtomo » : ce récit lui vaut le Grand Prix japonais de la science fiction, et le dessinateur est catalogué chef de file d’une nouvelle vague du manga. Les deux années suivantes, Ôtomo diversifie ses activités : il écrit des scénarios pour d’autres dessinateurs, réalise des illustrations pour des magazines et se consacre à son premier long métrage live : Jiyuu o Warerani. Le 20 décembre 1982 voit le début de la prépublication d’Akira dans Young magazine : l’œuvre monopolisera quasiment l’auteur jusqu’en 1990.

Même si l’on peut regretter que les qualités humaines et l’humour qui faisait l’originalité de la première période d’Ôtomo se soient perdus en chemin, on ne peut que s’incliner cette fresque de SF visionnaire. L’auteur y décrit une jeunesse survoltée et suicidaire, dans laquelle vont se reconnaître des milliers de lecteurs, Akira devenant un des rares best-sellers mondiaux de la BD. Ôtomo au sommet de son art, déploie une science achevée de la narration et dépeint un Tokyo Post-apocalyptique avec un nombre de détails impressionnant. Véritable superproduction en BD, Akira, frappe par sa violence nihiliste et le réalisme des dévastations, qui culmine lors des séquences de destruction de la ville, véritable vision de fin du monde.

Exceptés les scénarios de Rojin Z et Mother Sarah (respectivement dessinés par Okada tai et Nagayasu Takumi), Ôtomo se désintéresse par la suite de la bande dessinée, sans doute parvenu à une forme d’aboutissement avec Akira et accaparé par ses projets dans le domaine du cinéma d’animation.

Oeuvres:

-Mangas:

1973: A Gun Report
1979: Short Piece
1979: Highway Star
1979: Fireball
1981: Good Weather
1981: Sayonara Nippon
1981: Hansel and Gretel
1982: Kibun wa mo senso
1982: Boogie Woogie Waltz
1982: Jiyu o warera ni{{{diac}}}
1982-1990 : Akira (prépublication dans un magazine)
1983: Dōmu
1987: The Order to Cease Construction{{{diac}}}
1987: Coming Soon
1987: See You Again
1987: Robot Carnaval (Roboto kânibauru)
1991: Zed (scenario)
1995: Akira Club (Artbook)
1996: SOS Dai Tokyo Tankentai
1996: Cannon Folder
2002: Hipira-kun (scénario)

-Films:

1988: Akira
1990: Memories (Un sketche sur les trois que comporte le film)
1991: World Apartement Horror (Warudo apaatoment hora{)
1991: Rōjin Z (scénario)
2001: Metropolis (scénario)
2004: Steamboy
2006: Freedom Project

Naru Taru

2007-06-30T03:15:00.000-07:00

Quand une jeune fille part en vacances retrouver ses grand-parents, elle est loin de se douter y rencontrer une créature qui changera non seulement sa vie, mais aussi ses réactions et sa mentalité en la mettant dans des situations difficiles pour son jeune âge. Quand l'innocence d'une gamine vole en éclats, Mohiro Kitoh se fait un plaisir de nous le transmettre.

Shiina est une fillette en dernière année d'école primaire. Comme à l'accoutumée, elle se rend chez papi-mami pour y passer une partie de ses vacances d'été. Dynamique, sportive et complètement naïve, celle-ci passe ses journées en compagnie des enfants du coin.
Lors d'un défit de natation, Shiina manque de se noyer, emportée par le courant et l'épuisement. Alors qu'elle sombre dans les profondeurs de la mer, elle rencontre celui qu'elle baptisera Hoshimaru, une sorte de petit animal tout mignon en forme d'étoile (Hoshi = étoile). Après son réveil, elle le retrouve et il décide de l'accompagner.
C'est ainsi que la fin des vacances de Shiina arrive et qu'elle s'apprête à retourner à sa vie « normale ».

L'histoire de Naru Taru débute d'une façon des plus innocentes qui soit : jeune fille rencontre petit monstre aux alures de peluche, qui possède tout de même quelques capacités étonnantes. Il vole, il se déforme et semble bien attaché à la petite Shiina. Là où l'anime traine un peu en longeur au démarrage, le manga met tout se suite en scène des personnage d'une importance relative pour le futur de notre héroine et qui semblent en savoir long sur Hoshimaru. Toujours d'un âge inférieur à une quinzaine d'années, ceux-ci semblent aussi posséder une créature aux airs étranges et variés, et qui semblent parfois très dangereuses...

Là, l'histoire débute : les créatures ne sont pas toutes aussi gentilles et mignones qu'on le croit dans un premier temps. Commandées par des gamins, elles tuent, massacrent et détruisent. Malheureusement pour elle, Shiina est bien souvent au centre de ces actes et doit faire face à la mort bien assez tôt. Des gens meurent devant elle, et elle devient aussi la cible de certaines attaques. Mais qui pourrait la croire ? Qui pourrait la soutenir ? Personne. Ni son père, ni Akira, une jeune fille suicidaire elle aussi en possession d'une de ses créatures bizarre qui montre bien souvent une indifférence et un détachement bien triste face aux situations où Shiina est en danger. Non, Hoshimaru reste son seul soutien, mais comment réagira-t-elle lorsque celui-ci devra tuer pour la protéger ?

Car c'est bien là le point central de l'histoire. Kitoh semble prendre un plaisir malsain à trouver mille et une façons de réduire en bouille la gaieté et l'innoncence de la petite Shiina. Des situations de plus en plus difficiles et choquantes, pour l'héroïne comme pour le lecteur. Finalement, le contraste entre les traits doux et enfantins de Shiina accompagnée de sa peluche magique est énormé comparé aux scènes de massacres dont elle est témoin. Et cette différence autant marqué par le dessin de Kitoh que par le choix de ses personnages. Les plus touchés sont des fillettes d'une dizaine d'années, confrontées à des situations profondément malsaines n'ayant qu'un seul but : réduire à néant leur doux âge d'innoncence.

Choquant. C'est l'adjectif qui décrit le mieux cette histoire : le lecteur est choqué face à ces situations où même un adulte ne sortirait pas phychiquement indème, alors une fillette... Mais c'est sans doute là le principal intêret de Kitoh : choquer le lecteur, le faire réagir, car dans notre monde, bien des enfants peuvent eux aussi être confrontés aux mêmes situations.

Note explicative :
Naru Taru est à la base un manga en 12 volumes qui a commencé à être édité par Glénat, qui stoppa cependant sa parution après deux volumes suite aux scènes très choquantes que l'on y trouve. L'anime quant à lui laisse un peu sur sa faim et ne répond aucunement aux questions que l'on est en droit de se poser. Glénat détennant toujours les droits de la série, nous sommes actuellement dans une impasse pour connaître le dénouement de l'histoire.

Test : Neon Genesis Evangelion

2007-06-29T11:46:00.000-07:00

Au premier abord, la série Neon Genesis Evangelion s’apparente à un anime de robot traditionnel. En 2015, après le « Second Impact », catastrophe qui a changé le visage de la Terre, un nouveau danger guette l’humanité. Des entités nommés « Anges » attaquent délibérément Tokyo III. Les seules armes efficaces sont des « robots » géants nommé Evangelion ou Eva. Ils sont pilotés par des enfants de 14 ans placés sous le contrôle d’une mystérieuse organisation, la Nerv. Bien des allusions à la mystique chrétienne et à la kabbale jalonnent les épisodes, contribuant à épaissir l’énigme qui entoure l’organisation. A ces questions s’ajoutent celles qui concernent les Evas. De quoi sont il/elle la copie ? Pourquoi l’Eva-01 peut elle échapper à tout contrôle ? Au fil des combats, l’Eva semble plus dangereuse pour l’humanité que pour les anges.

A partir de la seconde moitié de la série, l’intrigue de type SF est reléguée au second plan, faisant place à des interrogations sur la définition de l’Homme et des relations sociales. Le scénario se focalise sur Shinji, héros introverti redoutant le contact avec autrui. L’aspect psychanalytique se renforce progressivement, et la fin de série a suscité une vive polémique au Japon, au point qu’un dénouement différent (ou complémentaire) a été proposé sous forme de film.

Destiné initialement aux fans de Mecha, l’anime, mené de main de maître par Anno Hideaki, a su conquérir un vaste public pour renouveler le genre du « robot géant ». Le graphisme élancé suggérant la vélocité et l’agressivité de l’Eva, l’interface psychique avec le pilote immergé à l’intérieur de l’Eva comme le foetus dans le ventre maternel, la révélation de la véritable composition de l’engin... Tout ceci a marqué les esprits au point que de multiples séries copient l’idée du robot vivant, l’intrigue basé sur les relations humaines ou encore le tempo propre à la série, qui alterne passage très lent et scène de combats, dont la rapidité et la violence paroxystique sont soulignées par une fluidité d’animation époustouflante.

Profitant de son excellente connaissance du milieu des fans dont il est issu, Anno s’est servi d’Evangelion pour essayer de secouer par une thématique de choc les otaku cloîtrés dans leur monde virtuel. A mesure que la série progresse, l’animation sur celluloïd est abandonnée au profit d’expérimentation graphique, qui culmine dans les épisodes 25 et 26. Centré uniquement sur la psychologie de Shinji, l’épilogue mêle les images réelles à une animation volontairement maladroite de crayonnés au marqueur, de plans fixes sur des titres et autres. Anno semble vouloir rompre avec l’illusion référentielle, afin de rappeler qu’Evangelion n’est qu’un anime, une création artificielle. Il rejette volontairement le celluloïd fétichisé par les otaku. Plus encore, le traitement psychique qui conduit le héros à sortir de sa bulle protectrice est pensé comme une thérapie du spectateur, qui s’identifie au personnage fictif.

Evangelion reflète les phénomènes de désengagement social au Japon : l’otaku et l’hikikomori. Dans un premier cas, la personne se caractérise par sa propension à rester chez elle sans s’investir dans la société. Le terme d’otaku au Japon n’a pas le même sens que celui donné en France. Ce qualificatif est péjoratif au pays du soleil levant alors qu’ici il est d’avantage lié à la passion de la culture japonaise. L’hikikomori semble une intensification de ce phénomène. Ce retrait social a longtemps été un problème perçu comme mineur, et négligé aussi bien par le gouvernement que par les organisations sociales. Le terme désigne les adolescents ou jeunes adultes (ne souffrant d’aucune anomalie ou problème psychique) qui se cloîtrent chez eux en refusant de prendre part à la vie social pendant 6 mois et plus. Perçu tout d’abord comme un problème familiale et non comme une question de santé publique, l’hikikomori s’est développé sans que le désarroi des personnes atteintes ou des proches ait pu être soulagé.

Shinji symbolise cette jeunesse désoeuvré et craintive. Certes, son cas n’est pas aussi pathologique que les cas réels, mais son incapacité à lier des rapports amicaux basés sur une confiance mutuelle est emblématique de ces personnes que, ne pouvant supporter la pression sociale, n’on pas d’autre choix que de se replier sur eux-mêmes. C’est cette vision réaliste qui donne toute sa force à Evangelion. De plus, les références religieuses son un point clef du scénario et renforce incroyablement l’intérêt du spectateur. 2007 verra la naissance de 4 nouveaux films basés sur Evangelion et un film live semble toujours en discussion.

Test : L'autre monde

2007-06-29T11:18:00.000-07:00

Shû est un jeune garçon d’une douzaine d’année qui a du mal à maîtriser le sport qu’il pratique, le kendo. Un soir, alors qu’il monte se ressourcer au calme sur les toits de la ville, il croise le regard d’une jeune fille, Lala-Ru, assise au sommet d’une cheminée. C’est alors qu’apparaît une étrange machine qui pourchasse la fillette. Sans hésiter un instant, Shû vole à son secours, mais il n’est pas de taille à lutter et se retrouve aspirer par l’engin. Quand il reprend ses esprits, il n’est plus chez lui, mais dans un autre monde lui semblant totalement inconnu. Perdu, il se lance à la recherche de Lala-Ru, mais il est rapidement fait prisonnier. Il se retrouve enrôlé de force dans une armée d’enfant, qui agit contrainte et forcée, pour le compte d’un tyran rêvant de conquêtes à bord d’une immense forteresse mobile. Shû découvrira que Lala-Ru et le médaillon qu’elle porte son la clef des plans du tyran, mais un autre problème se profile : comment rentrer chez lui.

Cette série est née dans la tête du réalisateur Daichi Akitarô. Ce monsieur a débuté au début des années 80 en tant que directeur de la photographie, sur des productions aussi bien animées qu’en prise de vue réelles. Pourtant ce n’est qu’à partir de 1995 qu’il commence à passer à la mise en scène de série essentiellement comique et destiné à des jeunes comme Nurse Angel Lilika SOS, Kodomo no Omocha Ojamumaru, Jubei-chan ou Atashinchi. En 2001, il dirige une série qui sera élue « série de l’année », Fruits Basket, tiré du fameux manga de Takaya Natsuki. L’autre monde, réalisé en 1999, fait figure d’Ovni, tant sa noirceur tranche avec les productions qu’il a pu diriger jusqu’ici.

Autre membre important associé au projet : le scénariste Kurata Hideyuki, lui aussi connu pour l’écriture de sujets beaucoup plus léger et délirant comme Excel Saga, Battle Athletes ou R.O.D. Pourtant le tandem Daichi/Kurata fonctionne à merveille, épaulé par de formidables musiques signées Iwasaki Taku, un jeune compositeur qui s’est illustré sur les OAV de Kenshin, R.O.D. et la série TV Get Backers. Ce dernier s’inspire beaucoup des musiques de grands compositeurs Hollywoodiens, notamment Hans Zimmer, tout en rajoutant quelques instruments ou arrangements typiquement asiatiques.

Voici un anime bien atypique ! Au premier abord, les dessins et les personnages laissent penser qu’il s’agit d’une série pour les enfants, mais il n’est est rien, bien au contraire. Malgré une ambiance de couleurs orangées assez chaudes, L’autre monde est un anime extrêmement sombre, mettant en scène des scènes d’une cruauté rarement évoqué dans les animes. Ainsi, le tyran dirige la forteresse où échoue Shû envoie ses soldat vers une mort certaine, sans aucun état d’âme ; la scène est d’autant plus insoutenable que son armée est essentiellement composée d’enfants ! Mais l’image la plus forte reste le viol de Sarah, une fillette américaine qui ne comprend pas comment elle est arrivée dan ce monde, tout bonnement donnée en pâture à une grosse brute qu’elle finira par tuer...

Toute violence n’est évidemment pas gratuite, et se justifie dans un scénario d’une grande noirceur. De plus, aucune image crue n’est montré, les scènes plus dures sont suggérées, c’est bien là que réside la force de cet anime. Bien entendu, au Japon, elle n’a pas été diffusée à une heure de grande écoute mais très tard le soir, après minuit.

Ce créneau de diffusion nocturne est un phénomène récent. Dans les années 80, certains animes à caractère érotique (Lemon Angel) avaient déjà été diffusé la nuit, mais cette pratique se généralise en 1996 avec Elf o karu monotachi. Cette courte production s’adresse à un nouveau public, qui travail en journée et n’a pas forcément le temps de regarder les grands animes diffusé entre 18h et 20h. L’horaire permet ainsi d’aborder un ton ou un thème plus adulte. De plus le format de 13 ou 26 eps est assez court et permet une sortie vidéo rapide et peu coûteuse. Progressivement, ce nouveau marché va prendre la place de celui des OAV qui à l’époque est en perte de vitesse. C’est ainsi que sont produit Berserk, The Big O, Hellsing ou Cowboy Bebop.

L’autre monde s’inscrit donc dans cette catégorie de séries généralement plutôt bien réalisés et évitant les longueurs inutiles.

Test : Escaflowne

2007-06-27T14:54:00.000-07:00

Le début de cette série de 26 épisodes, créé en 1996, paraît stéréotypé. L’héroïne Kanzaki Hitomi est amoureuse d’un camarade de classe appartenant à son club de sport. Elle tire les cartes de tarot pour connaître son avenir et pour rendre service à ses amis. Triangle amoureux et romance lycéenne semblent destiné à toucher un public féminin. Mais les événements basculent lors d’un entraînement au sprint. Hitomi percute un mystérieux garçon apparu soudainement au milieu de la piste. Malheureusement il n’arrive pas seul. Un dragon surgit à sa suite, et les personnages courent se réfugier dans un temple. L’énigmatique garçon tente de terrasser la bête féroce au moyen d’une épée, et est sauvé in extremis par Hitomi et son don de voyance. A la fin d’un combat captivant, le dragon est vaincu, et le garçon lui arrache une pierre flamboyante de son cœur encore palpitant. Un rayon de lumière fait alors son apparition, emportant Hitomi et Van, le guerrier. A son réveil Hitomi se retrouve sur une planète cachée au-delà de la Lune nommée Gaia.

Dans la suite de l’intrigue, Hitomi est entraînée dans une guerre opposant l’empire Zaibacher au reste de la planète. Les secrets issus du passé des personnages, et surtout celui des ennemis forment le principal intérêt de l’anime où triangle amoureux et combat sont plus traditionnellement présent. Chaque épisode est mis sous le signe d’une carte de tarot. Le thème du destin lié à ce jeu de carte peut paraître futile au premier abord, mais les personnages se donnent bien comme but final la maîtrise totale de la destiné individuelle et communautaire grâce à la technologie Atlante, et ce, quelqu’en soit le prix à payer. Les personnages de Dornkirk, Folken et de Dilandau prennent toute leur mesure et leur caractère tragique lorsqu’on les replace dans cette quête.

Tentative originale de mélange entre shojo et shonen, Escaflowne est une sorte d’Ovni qui se déroule dans un contexte de science fantasy, où technologie, magie et êtres surnaturels cohabitent. Ce caractère hétérogène se perçoit aussi au niveau de l’équipe de production, où se côtoient Kawamori Shoji et Nobuteru Yuki. Le premier s’est fait connaître pour des séries de SF comme Macross, tandis que le second est renommé pour son travail dans le domaine de l’heroic fantasy sur Les Chroniques de la Guerre de Lodoss. Les amateurs de cet illustrateur ont été surprit par la longueur curieuse des nez des personnages, qui rappellent ceux de Macross Plus. Mais ce détail ne perturbe pas pour autant l’animation ou le plaisir graphique lié à la série. Quand à l’aspect shojo, il a pu en énerver plus d’un : les histoires de cœur d’Hitomi ne sont pas toujours très palpitantes et semblent parfois juste servir à ralentir l’avancé de l’intrigue.

Dans le film tiré de la série sorti au Japon en 2000, le caractère dramatique a été accentué par rapport à l’aspect shojo. La plus part des triangles amoureux passent à la trappe, mais les récits secondaires, qui donnaient tout l’intérêt à la série, aussi. Bien réalisé mais un peu vide comparé à l’anime, le long métrage réjouira les amateurs d’heroic fantasy ne connaissant pas l’anime original.

Produit par Sunrise, connu au Japon pour ses séries de robot, Escaflowne présente des mecha semi organique au design intéressant. Certain possèdent des capes les rendant invisibles, ce qui donne l’occasion d’utilisé des images de synthèses parfaitement intégré dans les images 2D. Escaflowne, le robot de Van, interagit avec lui en mimant ses mouvements. Dans un épisode tout ce que le robot ressent est perçu par son pilote lorsque Van réussi à le déplacer comme s’il s’agissait d’un second corps qu’il pouvait contrôler par la penser. Tout ceci vise à renforcer l’intensité des combats, en augmentant l’angoisse du téléspectateur par rapport au sort des pilotes, qui ne sont plus dans un robot surpuissant protégé de la douleur des coups reçus. Il semble que l’évolution des créations de mecha de Kawamori tend vers un renforcement du réalisme et de l’interaction entre les émotions du pilote et de se machine. Macross faisait partie des premiers anime de mecha de la veine réaliste au même titre que Gundam et Patlabor, animes dont il a également participé à l’élaboration des robots.

Une part importante du succès de la série Escaflowne repose sur la musique créée par Kanno Yôko et Mizoguchi Hajime. Les deux compositeurs se sont réparti les musiques et ne se sont pas concerté ensuite. L’ensemble est un assez remarquable mélange de musique symphonique, de chœur légèrement mystique et de musique pop (voir générique de fin). Là encore Escaflowne se montre hétérogène. La partie créée par Kanno Yôko a été enregistrée avec l’orchestre symphonique de Varsovie. Elle avait déjà essayé le mélange de musique plus classique et de l’animation avec Macross Plus. Pour Cowboy bebop, elle s’installa à New York afin d’enregistrer des morceaux cette fois très Jazz. Autre curiosité, la série révèle Sakamoto Maaya, jeune lycéenne qui double le personnage principal et devient du jour au lendemain une star dans le monde des animes. Elle interprète d’ailleurs cinq chansons dont l’opening d’Escaflowne.

Ainsi, on constate qu’Escaflowne est un mélange curieux parfois réjouissant parfois grinçant, mais qui en fin de compte mérite largement d’être vu.

Chronique: B.B. Project

2007-06-03T03:28:00.000-07:00

Nous avons rarement l’occasion d’être confronté à un « manga » français et peu sont ceux qui arrivent à se faire un nom. Quand on parle de « manga » français on pense tout de suite à Dofus des éditions Ankama. Maintenant il faudra compter avec les œuvres que l’on peut découvrir en prépublication dans le magazine Shogun. Cette fois ci mon attention s’est plus particulièrement portée sur B.B. Project dont le premier tome est sorti chez tous les bons revendeurs le 16 mai 2007 aux éditions « Les Humanoïdes associés ».

Ce « manga » nous raconte l’histoire de Franck, un jeune parisien récemment arrivé à Kyoto. Officiellement il est là pour terminer ses études mais en réalité le Japon représente pour lui un Eldorado du jeu vidéo et de la japanime. Malheureusement pour lui la population de Kyoto a dernièrement subit une vague de crimes sans précédent et les immigrés sont désignés comme coupables. Bientôt Franck est confronté à la monter du racisme et est menacé d’être renvoyé en France par un groupe d’extrémistes prônant l’exclusion des Gaijin. C’est alors qu’il fait la rencontre d’une bande rivale qui se destine à la protection des nouveaux arrivants. Ils lui révèlent l’existence du B.B. Project, un tournoi où les Gaijin peuvent gagner leur droit de rester à Kyoto.

La première chose qui frappe lorsque l’on feuillette ce « manga » est incontestablement sa qualité graphique bien au-delà de ce qu’on peut attendre d’une œuvre française peu habituée au style japonais. Les arts en fin de tome sont tout simplement magnifiques, vous pouvez d’ailleurs les découvrir, en plus d’autres, sur le lien en bas de cette chronique. On reprochera tout de même au dessinateur d’utiliser trop de dégradé de gris ce qui rend parfois certaines planches confuses. La deuxième chose que l’on remarque c’est la mise en scène des cases qui souvent relève de l’anarchie totale mais c’est ce qui donne son aspect nerveux à l’œuvre. Une chose est certaine la première impression est plus que correcte. On se plonge ensuite dans la lecture et une chose est sure, il y a de quoi lire. On est loin de Blame ou Abara et de ses personnages aphones. Franck est un personnage assez sympathique qui visiblement doit cacher un lourd secret et les autres personnages restent très charismatiques. L’histoire quand à elle reste assez basique et certains événements semblent inappropriés comme les pouvoirs. Le thème du racisme mit en rapport avec l’arrivée d’un petit français au Japon est une assez bonne idée car on a tendance à oublier que ce pays est une terre où il est difficile d’être accepté. Enfin, je pense que ce « manga » mérite notre attention mais il est fort probable qu’il divisera les amateurs du genre.

Galerie du dessinateur: ici

Test: Saga Shenmue

2007-05-06T03:14:00.000-07:00

Il existe des oeuvres particulières dans tous les domaines. Des réalisations qui poussent le spectateur, le joueur ou encore le lecteur à l’admiration voir au culte. Je pense qu’il était nécessaire de commencer cette suite de tests concernant le jeu vidéo par l’une d’entre elle. Shenmue est certainement l’un des jeux les plus atypiques de ces dix dernières années. Il pousse à la découverte, et développe chez le joueur une sensation de liberté extrême encore inégalée à mon avis. En 1999, lors de sa sortie, Shenmue était présenté comme une nouvelle forme de RPG, une chose encore jamais vue. Mais la surprise fut bien plus grande qu’elle ne le laissait présager. Des sommes colossales ont été investies par Sega afin d’offrir aux joueurs un jeu sans précédent.

Tout commence un soir du mois de novembre 1986, alors que Ryo Hazuki rentre chez lui il est surpris de trouver la plaque du Dojo familial brisé sur le sol et la porte fracassée ... D’un pas déterminé il franchit le seuil, en ce moment décisif il ne se doute pas que sa vie va basculer. Il trouve, étendu sur le sol, sa tante Ine-san visiblement sous le choc. Elle lui dit de ce rendre dans la salle d’entraînement car un grands danger guette Iwao, le père de Ryo. Après avoir traversé le jardin en courant, Ryo arrive devant la grande porte du Dojo, mais avant qu’il ne l’ouvre celle-ci est défoncé par le corps abîmé de Fuku-san. Ejecté, le corps fini par roulé dans la terre en bas du petit escalier de bois. N’écoutant que son courage, le garçon alors âgé de 18 ans entre dans la demeure. Il est alors stoppé net par deux hommes en noir. Il découvre son père, à terre devant un personnage énigmatique vêtu de vert nommé Lan-di. Le visiteur ne cesse de répéter qu'il souhaite récupérer un miroir. Mais Iwao ne semble pas décidé à lui céder. Le jeune héro, dans un acte désespéré se lance dans la bagarre, mais il est vite maîtrisé. Voyant son fils entre les mains de Lan-di, Iwao n’a pas d’autre choix que de révéler la cachette du miroir, mais décidé à en finir l’homme en vert reprend le combat. Ryo assiste alors, impuissant, à un combat à mort entre les deux hommes et malheureusement son père est tué devant lui. 4 jours plus tard et après plusieurs cauchemars, Ryo est bien décidé à venger son père. En sortant de sa chambre il rencontre sa tante qui lui remet une enveloppe contenant 500 yens. Il retourne alors sur les lieux du crime s’entretenir avec son frère Fuku-san. Après une conversation tendu, Ryo en est certain, il vengera son père et partira à la recherche de Lan-di... Pour cela, il se décide à interroger les différents passants des quartiers voisins. Ainsi commence la quête de Ryo, au cours de laquelle il arpentera les rues de Dubuita, travaillera sur les docks de Yokosuka, traversera la mer et continuera ses recherches jusque dans les montagnes éloignées de Guilin en passant par Hongkong.

FREE (Full React Entertainment Eyes)
Ces quatre lettres résumes à elle seule l’univers de Shenmue. Ce concept consiste à faire évolué de façon indépendante un univers, une société autour du héros en incluant des variantes suivant les actes du héros. Tout est changeant dans Shenmue, du temps qu’il fait un tel jour jusqu'à la position chronologique d’un événement faisant évolué le scénario. On pourrait confondre cela avec une liberté total dans les choix concernant l’évolution du joueur dans l’histoire ainsi que dans l’univers (dans une approche spatial dans ce cas). Ce degré de liberté est unique à Shenmue, et contrairement à un GTA (par exemple) on prend plaisir à s’arrêter devant un cerisier en train de perdre ses pétales ou à faire connaissance des multiples personnes qui peuplent les villes (Tokyo et Hongkong) et villages (Guilin uniquement). Ainsi il est possible de suivre une personne dans la rue et d’étudier ses habitudes jour après jour.
Pour évité que l’ennuie ne gâche la beauté du jeu, une multitude d’activité vous son proposé, activité que les gens autour de vous pratique parfois eu aussi. La plus simple est certainement de jouer avec le petit chaton vivant dans la boite en carton prés du temple. Il est aussi possible d’aller faire quelques courses, et si vous avez un peu de chance vous gagnerez peut être un poste radio qui sera du plus bel effet sur le bureau de votre chambre numérique. Vous pourrez enfin écouté les multiple K7 que vous aurez acheter à prix d’or au convini (superette). Vous pouvez aussi aller jouer aux fléchettes, au jeu des réflexes, au QTE (Quick time event, autre particularité de Shenmue, ce concept à été réutilisé dans l’excellent Resident Evil 4) et bien d’autre chose encore.

Shenmue est un jeu qui graphiquement a mal vieilli mais n’exagérons pas, même de nos jours certain jeux PS2 sont loin d’égalé la qualité de Shenmue pourtant déjà vieux de 8 ans. Les environnements poussent à l’admiration. Je pense plus particulièrement au dernier CD de Shenmue II qui pendant près de 3h (suivant la volonté du joueur à admirer ou à écouter sa compagne) nous invitait à marcher dans les grandes plaines, au bord du fleuve puis au cœur des montagnes de Guilin. Jusqu’à l’apothéose, jusqu’au moment où le fan est obligé de verser une larme en découvrant le majestueux arbre Shenmue à l’histoire si particulière. Musicalement parlant ce jeu est fantastique. Les aires deviennent peu à peu mythiques. Même si les musiques se font assez rare et discrète dans la ville elle son en revanche remarquable lors des scènes cinématiques et des combats. La musique si « particulière » du convini entrera dans votre tête et ne vous lâchera plus tout comme les thèmes que l’on peut entendre dans les bars.
Du point de vu scénaristique il est certain que cette œuvre n’atteint pas les sommets. En tout cas dans les deux premiers jeux. Mais il ne s’agit que de l’apparence du titre. Il suffit de se plonger dans l’univers pour en découvrir un autre. Tout d’abord les sociétés japonaises et chinoises qui nous sont montrées avec une authenticité remarquable. C’est d’ailleurs ce qui donne à ce jeu son âme. De plus, les légendes utilisées comme base pour l’histoire ne sont dévoilées que trop tard dans le deuxième volet. Mais une chose est certaine, le travail réalisé autour des légendes chinoises est exemplaire et il nous tarde de découvrir ce que Shenmue III nous apportera su ce sujet. Il est difficile de s’imaginer lors des premières heures (voir de la totalité) de Shenmue I que la suite de l’aventure nous mènera aussi loin. Qui à la fin de Shenmue I savait que la magie serait l’un des points clef du scénario ?

Nous voici déjà à la conclusion. Il reste pourtant tant de choses à dire sur cette saga de légende. Les courses de canards par exemple ! Un moment d’anthologie, tout simplement. Mais comment conclure un test comme celui-ci sans donner un coup de gueule contre la politique publicitaire agressive de Sony à l’époque de la Dreamcast. Des promesses, encore et encore. Sony n’en était pas avare à l’époque de la console de Sega. La PS2 devait être un objet de technologie inégalé proposant des jeux avec un graphisme de la qualité des films Pixar (l’Emotion Engine ? la bonne blague !). Résultat les masses se sont retenues pour attendre la PS2, délaissant la Dreamcast qui peu à peu se destinait à une mort certaine. Désormais devenue un objet de culte pour toute une communauté de gamer la Dreamcast est maintenant l’objet de toutes les convoitises. Une revanche pour le bébé de Sega. Shenmue était pourtant une œuvre dont la qualité était au-delà des mots. Mais malheureusement, tout comme la Dreamcast il était destiné à sombrer. Les mauvaises ventes furent létales pour Sega qui depuis tente comme elle peut de revenir sur la scène mondiale du jeu vidéo. Aujourd’hui la sortie de Shenmue III est plus qu’incertaine. Les aventures de Ryo Hazuki deviendront un mythe que les gamers feront perdurer à travers le temps.

Test: Kenshin le vagabon

2007-04-26T10:23:00.000-07:00

En 1868, l'ère Edo prend fin après des années de révolution qui avait pour fief principal la ville de Kyoto. Durant cette période, nombre d'assassinats étaient perpétués sans arrêts visant les différentes factions et clans en présence. Plusieurs samouraïs exécutaient ces crimes. Et l'un d'eux recherche le pardon...

Fin de l'ère Edo. L'assassin Kenshin Himura, dit Battosai, sème la terreur parmis les ennemis des impérialistes. A la fin de la révolution qui voit naitre l'ère Meiji, il fait le serment de ne plus tuer et part en voyage à travers le Japon pour entamer son repentir.
Dix ans plus tard. Kenshin arrive à Tokyo. Muni de son épée à lame inversée, il sauve la jeune Kaoru Kamiya, détentrice d'un dojo au coeur de Tokyo dans lequel il s'installe. L'ex-assassin arrivera-t'il à tenir sa promesse de ne plus tuer malgré les attaques qu'il subit tout en protégerant son nouvel entourage ?

Kenshin le vagabond nous plonge dans le Japon post-révolutionnaire de 1878 qui à vu la fin de l'ère Edo dix ans plus tôt. En cette époque où les samouraïs disparaissent peu à peu – du fait de l'industrialisation du Japon et de l'interdiction de port du sabre – Kenshin continue de rechercher le pardon pour ses crimes. C'est dans ce contexte historique qu'évoluent héros de fictions et personnages historiques, à l'image de Saito Hajime, ennemi de Kenshin ayant réellement existé à cette époque et servi au sein du Shinsengumi à la fin d'Edo (des articles sur l'organisation et le personnage sont d'ailleurs prévus).

A la fois sérieux et léger, l'anime est à l'image de son personnage principal. Kenshin – sans être totalement schizophrène -, passe d'un comportement naïf et comique à un sérieux impassible lors des phases critiques. Sa promesse de ne plus tuer lui cause nombre de problèmes face à des adversaires parfois issus de son passé et dont le désir de vengeance ou l'envie de renommée poussent Kenshin dans ses derniers retranchements. Il serait d'ailleurs redevenu l'assassin qu'il était sans le soutien de ses nouveaux amis, notamment Kaoru, avec qui sa relation évolue rapidement à la romance discrète et innavouée.
Sanosuke, Yahiko et Megumi complètent l'entourage immédiat du héros. Chacun possède un passé plus ou moins malheureux et attachant, ainsi qu'un caractère bien trempé qui nous garanti humour léger et prises de becs caricaturées.

Ces scènes sont d'ailleurs animées avec des personnages prenant un aspect « chibi », avec beaucoup de SD (Super Deformed) et qui entrent en contradiction avec les plans stylisés, les vues variées et sanglantes des combats. L'adaptation respecte parfaitement le manga original sur le plan graphique et humoristique, mais aussi sur le plan scénaristique, malgré les trente derniers épisodes étant complètement inédits par rapport au support initial. Il est à noter que l'adaptation de l'anime s'arrête au niveau du tome 18 du manga et ne traite pas des 10 derniers volumes. Pour connaître la fin de cette saga, il faudra se rendre en librairie.

Mettant en scènes des personnages variés et attachants, Kenshin le vagabond est une histoire à la fois drôle et pleine d'action, reposant avant tout sur des faits historiques. Pour ceux qui voudraient en savoir un peu plus sur le passé de Kenshin sans lire le manga, quatres OAVs sublimes sont disponibles et nous apprennent notament l'origine de la cicatrice en forme de croix du héros.

Test: Ergo proxy

2007-04-25T07:56:00.000-07:00

Le monde dans lequel nous évoluons change. Notre technologie nous ouvre de nouveaux horizons tandis que la beauté passée se fane lentement. La faune et la flore disparaissent, les déserts grandissent et doucement l’air se charge de poison. Où en serons nous dans quelques années ? Ergo Proxy nous montre l’une des probables réalités qui attend nos enfants. La Terre est ravagée et est devenue inhabitable. Mais l’humanité s’est créée un havre de paix : Romudo. Une vaste cité comme il en existe des dizaines sur cette planète en ruine. Ici il n’est pas question d’un sermon sur l’écologie mais seulement d’une démonstration de ce que notre société peut engendrer. Sommes-nous destiner à donner naissance aux monstres qui arpentent nos cauchemars de part nos actes et vicissitudes ? Cet anime de Dai Sato réalisé par les studios MANGLOBE, GENEON et WOWOW nous plonge dans ce monde post apocalyptique, à l’aube où le chaos est sur le point d’anéantir la société parfaite que l’Homme a mis tant de temps à bâtir.

C’est en compagnie de Lyr Meyer, jeune inspectrice du Bureau des Renseignements de Romudo, que nous découvrons les premières images de cette immense cité protégée du poison extérieur par un dôme de lumière. Les rues sont tranquilles et les passants se suivent avec une extraordinaire synchronisation. Parmi eux déambulent des androïdes. Souvent « de compagnies », ils aident au fonctionnement de la société. Lyr est accompagnée de l’un d’eux : Iggy, un être synthétique indispensable au bon déroulement de ses enquêtes. Mais cette société idéale commence à s’effondrer lorsqu’un virus informatique nommé « COGITO » contamine les androïdes. Lyr Meyer mène l’enquête. C’est alors qu’une nouvelle menace fait son apparition : les Proxy s’éveillent. Ces créatures cachées dans les profondeurs de Romudo brisent leurs liens et se lancent dans d’horribles massacres. Après une dure journée, Lyr rentre dans son appartement où elle est soudain agressée par un Proxy après avoir trouvé un étrange message sur son miroir : « Awakening » (trd: réveil). Suite à se tragique accident, Lyr décide d’enquêter et ce à l’encontre des ordres de ses supérieurs. Elle rencontrera alors l’énigmatique Vincent Law, un jeune immigrant semblant être pris dans une histoire le dépassant totalement. Pourchassé par les autorités et par un Proxy, il semble être au cœur d’un complot dont les secrets pourraient remettre en cause les fondements de la société.

Dès les premières secondes l’anime s’annonce visuellement hors norme. A l’image de Lain et autre Texhnolyze l’atmosphère se veut sombre et oppressante. Le blanc, le gris et le noir dominent et les rares couleurs visibles semblent même interdites. Les seuls éléments tranchants perpétuellement avec l’univers graphique sont le maquillage bleu des yeux de Lyr. D’un point de vue plus général l’univers graphique est très beau et les effets de flou renforcent l’ambiance.
Les personnages sont très charismatiques et plus particulièrement Lyr dont le style gothique est des plus plaisant. Les Proxy ont bénéficié d’un traitement plus particulier comparativement aux passants, souvent identique, et aux androïdes tous conçus sur un ou deux modèles différents. Ils sont des personnalisations de la décadence cachée de Romudo, ce qui expliquerait leurs allures monstrueuses et leurs styles vestimentaires tirant sur le sadomasochisme. Au fil du temps d’autres protagonistes font leur apparition tel Pinot, Queen, le maire et les habitants de la « commune », tous jouant un rôle dans l’extraordinaire toile que forme le scénario.
Musicalement parlant ce titre reste dans les normes. Les musiques sont assez présentes et renforcent l’aspect dramatique, oppressant ou survolté de certaines scènes. L’opening très rock et l’ending sont par contre très réussis et collent parfaitement à l’ambiance.

Cet anime, bien que grandiose ne plaira pas à tout le monde. On lui reprochera parfois une atmosphère trop sombre ainsi que l’absence total d’humour. Les adeptes des animes gais, surchargés de couleurs et respectant la règle du rire toute les 20 secondes seront assurément déconcertés. Par contre les fans des œuvres noires de Yoshitoshi Abe seront aux anges. Si on est proche de Lain dans l’univers graphique, on en est loin du point de vu scénaristique mais Ergo Proxy reste tout de même au dessus du lot. On prend un plaisir certain à suivre les aventures de Lyr et Vincent dans ce monde regorgeant de secrets plus surprenants les uns que les autres.

Enfin un anime qui sort du lot, et c’est assez rare pour que nous le remarquions. Les fans de Serial Exeperiment Lain et Texhnolyze adoreront. Les autres seront peut être surpris par l’atmosphère, mais que cela ne les empêche pas de s’essayer à cet OVNI car c’est tout de même de la très grande japanimation.

Chronique: Bokurano

2007-04-25T05:42:00.000-07:00

L’adolescence est un moment difficile dans la vie. Les choses changent, les perceptions évoluent. Le monde devient de plus en plus dur et les responsabilités s’accumulent. Souvent l’enfance est idéalisée lorsque l’on devient adulte. Mais l’enfant est aussi et surtout un être humain avec ses défauts, sa cruauté et ses tristesses. L’auteur de Narutaru, Mohiro Kitoh, nous plonge de nouveau dans l’univers cruel de l’enfance dans un nouvel anime : Bokurano.

L’histoire commence au bord de l’océan. Un groupe de 15 enfants en vacance se retrouve involontairement mêlé à une guerre dès l’instant où ils rencontrent Kokopelli, un mystérieux programmeur informatique caché dans une grotte. Si cette bataille leur est présentée comme un jeu vidéo, il ne leur faudra pas longtemps pour comprendre que leurs actions ont des conséquences. Lorsque leur mecha s’élève alors la terre tremble et les morts se multiplient. Bientôt le doute disparaît, le sang versé est le prix de la vie et de lourds sacrifices seront nécessaires.

Cet anime est une œuvre attendue, et plus particulièrement par les lecteurs du manga. Les travaux de Mohiro Kitoh ont toujours été un délice de subversion et de complexité. Les premiers mots de l’anime reste gravé dans la mémoire du spectateur : « Il n’y avait pas de véritable tristesse ou de vrai colère dans nos vies ». Même si le premier épisode n’y rend pas justice, il suffit d’attendre la fin du second pour enfin comprendre la raison de cette ouverture lourde de sens. Gonzo nous livre encore une fois un anime d’une qualité presque irréprochable. Reste à savoir si les 13 épisodes prévus sauront rendre justice au travail exemplaire de Mohiro Kitoh au niveau de la psychologie des personnages.

Ouverture

2007-04-25T01:54:00.000-07:00

En cette fin de mois d'avril, un énième blog ouvre ses portes. Autant le dire tout de suite, je n'ai jamais aimé les blogs. Généralement, les gens y racontent leur vie ou s'en servent de salon de rencontre à la mode kikoo-lol, ce qui à le don de m'exaspérer. Et voilà que maintenant je me mets à raconter ma vie ! Mais je vous rassure, ce sera juste pour cette fois. De toute façon, je ne suis qu'un personnage virtuel.

Vous n’êtes pas sur un blog ordinaire. Plus proche de l’oasis de verdure que du grain de sable perdu au milieu du désert de la bêtise et de l’ignorance ! Ce qui rend ce « blog » si extraordinaire ? Premièrement il est intelligent ! Deuxièmement il s’agit d’un espace promotionnel à la gloire de mon site qui je l’espère sera en ligne dans les mois à venir. (Hatsu ! Au boulot !) Ici vous pourrez trouver en avant première les articles qui seront sur le site dans un avenir proche.

Quels genres d'articles seront postés ? Et bien, des tests d’animes, de mangas et de jeux vidéo. Qu’y a-t-il d’extraordinaire ? Mis à part que c’est mon site ? Tout simplement ma ligne directrice. Le background aura une place prédominante et fera l’objet d’articles qui lui seront totalement dédié. Pour l’idiot du fond qui n’a rien comprit car il préférait jouer à la DS plutôt que de m’écouter voici une petite explication. Imaginons que je fasse un test de « Full Moon wo sagashite », et bien on pourra écrire un background sur les shinigamis. Bon, pour les ignares qui n’y connaissent rien et qui feraient bien de revenir régulièrement ici, un seul mot : Bleach.

Voilà qui conclu cette succincte présentation. De toute façon je peux dire ce que je veux ici hein ? Et puis personne ne pourra me censurer, vive la liberté d'expression ! Et puis Mikaeru c'est un #°:c*$ (fais gaffe si tu veux pas te retrouver au chômage...). Hatsu ! Au boulot !